saison 20 → 21 - TGP

Un conte de Noël

Communication — Mon, 25 May 2020 22:11:11 +0000

Nous sommes à Roubaix, quelques jours avant Noël. Mais ce pourrait être n’importe où ailleurs. Dans une famille pas tout à fait comme les autres, les Vuillard, un vieux couple amoureux, toujours uni, et leurs trois enfants. Par le passé, la mort prématurée du petit Joseph, le fils aîné, a provoqué la déchirure. La sœur a banni l’un de ses frères. Aujourd’hui ils se retrouvent tous, trois générations, parents, enfants et petits-enfants, le temps d’un repas, d’une fête. Les traumatismes ressurgissent, les non-dits, les trop-dits. L’humour se fait coupant, toujours sur le fil du rasoir, mais le rire n’est jamais loin non plus. Les émotions affleurent, débordent et réparent.

Avec son collectif In Vitro, Julie Deliquet adapte Un conte de Noël, écrit et filmé par Arnaud Desplechin, avec douze acteurs sur scène donnant à voir et à vivre la famille sous toutes ses coutures. Les jalousies, la colère, la tendresse, les fantasmes, les déceptions, les vies rêvées… Sur un plateau bi-frontal, la metteure en scène déroule le ballet des émotions dans un récit choral, hyper-collectif, tissant ou détricotant le fil d’une généalogie qui renverse les rôles, à la poursuite des liens du sang et du cœur, à la lisière fragile du réel et de la fiction. Si le film est imprégné de théâtre, la pièce conjugue aussi les références. Elle convoque monstres et fables, religion et psychanalyse, théâtre et cinéma. Par l’empreinte tchékhovienne dans la mélancolie des jours qui passent et par grandes touches tragicomiques shakespeariennes, Julie Deliquet entrelace le drame, la joie et le songe en des possibilités infinies de jeu et toujours dans la magie du conte.

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Onéguine

cyber — Mon, 25 May 2020 22:43:02 +0000

Retiré dans la campagne russe enneigée ou balayée par les vents d’été, Eugène Onéguine est un être « impatient de vivre et pressé de sentir », aimant le luxe et la fête. Tatiana, jeune fille noble, belle et sombre, tombe amoureuse de lui dans une forme de pureté ardente et tourmentée. Insensible, indolent, il l’éconduit. Lors d’un bal, par désœuvrement, il séduit la fiancée de son meilleur ami. Ce dernier, fou de douleur, le provoque en duel. Eugène le tue, malgré lui. Le sang du jeune homme teinte la neige de rouge…

Le roman en vers de Pouchkine, écrit de 1823 à 1831, occupe une place unique dans la littérature russe. Mêlant les styles avec agilité, il est à la fois poème éclatant dardant les feux d’une culture éternelle, clairvoyant sur la vanité de l’existence et la perte des illusions, léger telle une comptine ou talisman précieux qui accompagne une vie. Empreinte d’intelligence et de vigueur, de gravité et de drôlerie, l’œuvre « appelle à vivre », selon les mots d’André Markowicz qui a consacré plus de vingt ans à cette traduction française, la faisant rimer au plus près de la musicalité de sa langue origine.

Jean Bellorini fait résonner une nouvelle fois ce grand poème lyrique et romanesque créé au TGP en 2019. Par le biais de casques, formant chœurs et chuchotements, les voix enveloppent les spectateurs assis de part et d’autre de la scène. S’y mêle une bande sonore et musicale composée par Sébastien Trouvé à partir d’extraits de l’opéra éponyme de Tchaïkovski. Tatiana, isolée et libre, occupe le centre du plateau. Avec et autour d’elle, les acteurs, multiples Onéguine, entrelacent les récits en tableaux vifs et concis. Une table, quelques chaises, un piano et la chaude lumière des bougies forment le décor poétique et onirique dans lequel le roman se déploie, intensément collectif et intime.

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Et le cœur fume encore

cyber — Wed, 10 Jun 2020 02:06:53 +0000

Sept personnages, scènes après scènes, reconstituent des événements d’une Algérie proche ou plus lointaine, des années 1955 à 2006. Au plateau, un rideau entrouvert ou tiré dévoile les zones d’ombre de cette guerre sans nom dont les répercussions agitent toujours notre société. Partant du constat que les non-dits entourant la guerre d’Algérie imprègnent encore un nombre considérable de familles en France, et désireux d’aborder les questions de transmission, d’héritage, de tabous et de refoulements de ces mémoires, Margaux Eskenazi, Alice Carré et les comédiens ont croisé matière documentaire – témoignages recueillis auprès de leurs familles ou de leurs proches, archives historiques – et matière littéraire – poésie, textes dramatiques et romans – dans une écriture polyphonique sensible et saisissante. Ce travail minutieux de collecte a été leur point de départ pour s’immerger dans l’Histoire. Passant sans cesse de l’intime au politique, du réel à la fiction, les membres de la compagnie Nova créent des scènes qui s’inspirent d’événements historiques, incarnent militants et travailleurs algériens, soldats français, anticolonialistes, harkis, pieds-noirs et leurs descendants. Ils réussissent à mêler dans la dramaturgie, clarté, rigueur et légèreté. Les sept interprètes passant d’un rôle à l’autre maîtrisent l’art de la rupture, entretiennent une forte complicité et défendent leurs personnages avec humanité. De cette traversée musicale, poétique et politique surgit un théâtre vivant, nuancé, parfois drôle et toujours intelligent. Un théâtre qui, en donnant la parole à ceux qui se sont tus trop longtemps, éclaire les fractures sociales de la France d’aujourd’hui.

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Danse « Delhi »

Communication — Wed, 10 Jun 2020 02:39:03 +0000

Dans un salon réservé aux familles dans un hôpital de quartier, six personnages défilent et se rencontrent : une infirmière, Andreï, sa femme Olga, sa maîtresse Catherine, la mère de cette dernière et une femme âgée. Les êtres s’interpellent, se heurtent, se rejoignent, s’interrogent.
Ils vont et viennent de rupture en rapprochement, de froide indifférence en fulgurantes émotions, dans un monde qui va trop vite, une société saturée d’informations et en tension permanente. Sur scène, le tumulte est orchestré par une musicienne – le septième personnage. Ce sont sept variations comme autant de petites pièces dans la pièce , sept variations d’un même récit qui se déroule petit à petit, au goutte-à-goutte, dévoilant les personnages et leurs états d’âme. Chaque lever de rideau annonce la mort de l’un d’entre eux et chaque scène se referme sur la signature de l’acte de décès, les poussant à réagir à la souffrance, la douleur, l’amour, la mort, la culpabilité. Sur un même discours égrainé comme une ritournelle, les couplets se répètent, se décalent et apportent une tonalité singulière, élargissant la polyphonie, laissant entrer un autre instrument dans la danse à chaque nouvelle scène. C’est dans cette partition de théâtre musical que la metteuse en scène Gaëlle Hermant dessine, en éclats de couleurs derrière du verre dépoli, une scénographie dans laquelle la langue d’Ivan Viripaev s’emboîte comme des poupées russes. S’enchevêtrent mélodrame et comédie, cynisme et empathie, réel et illusion. La compagnie DET KAIZEN donne à voir et à entendre une chorégraphie de mots et de vies gravées dans le mouvement des corps, cette Danse « Delhi » qui traverse en filigrane toute la pièce, qui déplace, dérange, bouleverse et transfigure.

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Hors la loi

cyber — Wed, 10 Jun 2020 23:43:48 +0000

Été 1971, Marie-Claire, 16 ans, aime le hula hoop et les chansons à la mode. Tout bascule un soir quand un camarade la viole. Elle tombe enceinte. Avec deux collègues, sa mère, Michèle Chevalier, l’aide à se faire avorter par une « faiseuse d’anges ». L’opération clandestine manque de lui coûter la vie. Ce traumatisme n’est pourtant que le début des épreuves à venir. Dénoncées, elles se retrouvent toutes sur le banc des accusés. Pour leur défense, elles font appel à l’avocate Gisèle Halimi, fervente militante de la dépénalisation de l’avortement. Le procès hautement médiatique qui se tient en 1972 à Bobigny aura une portée retentissante et servira de prémices à l’adoption de la loi Simone Veil sur l’interruption volontaire de grossesse en 1975. La metteure en scène Pauline Bureau s’attache à un moment décisif de l’histoire sociale en déroulant cette chronique politique dans une écriture sensible et documentée, soutenue par des archives, des extraits des minutes du procès, des témoignages de figures connues et portée par les paroles de Marie-Claire elle-même.
Les comédiens et comédiennes de la Comédie-Française viennent cette année au TGP pour incarner avec éloquence et véracité ces personnes si essentielles à cette cause. Ils répercutent la souffrance à travers les discours et les corps, du choc à la honte, entre espace privé pudique et onirique, et espace public, lieu de réflexion et de combat, de la lumière des salles d’audience à l’ombre d’un quotidien effacé et silencieux. Partant de son récit intime et déchirant, Pauline Bureau souligne le destin d’une jeune fille qui a marqué un tournant dans la vie de tant de femmes. Une pièce salutaire qui retrace l’avancée du droit et de la société, un héritage commun et toujours fragile, d’une brûlante actualité encore aujourd’hui, celle de la réappropriation de son corps, de ses choix, de son libre arbitre.

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Africolor

cyber — Thu, 03 Sep 2020 14:12:22 +0000

En 2020, dix-sept pays d’Afrique fêtent le soixantième anniversaire de leur indépendance. Au Congo, on joua encore une fois l’Indépendance Cha Cha, le célèbre morceau qui célébrait, le temps d’une danse, l’unité retrouvée et la liberté promise. Toute l’Afrique francophone, en son temps, l’avait adopté.
Mais l’indépendance, qu’est-ce que ça voulait dire il y a soixante ans ? Ce spectacle revient sur ces années de basculement, dans la tête et les mots des personnalités qui en furent les emblèmes et qu’on a appelés « pères de la Nation ».
Indépendances Cha Cha est une visite dans les couloirs du temps, durant laquelle les spectateurs traversent une galerie dont les portraits s’animent.

La Guinée : Sekou Touré, le président qui disait non
Débutons ce voyage avec la Guinée de Sékou Touré, premier pays d’Afrique francophone à obtenir son indépendance en 1958, en votant Non au referendum proposé par de Gaulle et du même coup, à une marche vers l’indépendance sous le contrôle et la domination de la France.
Sur scène, Sekou Touré revient s’expliquer sur son choix, et sur les années qui ont suivi. Car la Guinée paiera très cher ce refus, la France décidant de couper tous les ponts et de pratiquer avec la Guinée une sorte de politique de la « terre brûlée ». Le leader guinéen, qui voyait les complots – réels ou supposés- partout fera également payer à son peuple un lourd tribut.
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Le Sénégal : Senghor, le poète président
Celui qui préférait qu’on retienne de lui le poète plutôt que le président a pourtant joué le tout premier rôle dans l’indépendance de son pays, le Sénégal. Armé de poésie, de musique et de discours, Il nous raconte le cheminement qui les a menés, lui et son pays, vers cette idée – l’indépendance – née bien avant que Léopold Sédar ne voit le jour à Joal. Elle sera proclamée le 20 août 1960, après une brouille avec son homologue soudanais Modibo Keita, mettant fin à l’union des deux pays dans la fédération du Mali. Après vingt ans à son poste, il quittera le pouvoir pour se consacrer à la poésie.
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Africolor

cyber — Sun, 14 Jun 2020 22:20:18 +0000

Formé en 2019 pour le célèbre concert du 24 décembre et les 30 ans d’Africolor, ce groupe original made in France reprend les grands tubes de la musique malienne. Ntama, kora, djeli ngoni, dundun, kamélé n’goni, balafon et voix sont les instruments emblématiques qui déploient cette musique et ce rythme flamboyant. Griottes et musiciens s’associent pour un hommage aux grands orchestres africains. « Paris est un arrondissement d’Abidjan », disait Alpha Blondy il y a longtemps déjà. De la même manière, l’Île-de-France est comme un arrondissement de Bamako. Ici sont nés ceux qui composent L’Orchestre du Grand Bamako, ensemble instrumental de la musique classique du Mali. Ces musiciens, chacun à leurs manières ont été tout au long des trente ans d’Africolor complices de plusieurs créations du festival. Avec notamment les divas Nanou Coul, Mah Damba et Oumou Kouyaté, ils et elles sont l’histoire d’Africolor.

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Tempest Project

Communication — Sun, 14 Jun 2020 22:22:35 +0000

Prospero, duc de Milan chassé du pouvoir par son frère Antonio qui a pris sa place,
a été exilé en compagnie de sa fille Miranda sur une île mystérieuse peuplée de créatures surnaturelles. Puissant magicien, il règne en maître sur le monstre et esclave rebelle Caliban et sur Ariel, un esprit de l’air. Afin de se venger, Prospero provoque le naufrage du navire sur lequel Antonio a embarqué en compagnie du roi de Naples. L’enchanteur imposera plusieurs épreuves aux naufragés dispersés en différents lieux de l’île, épreuves qui vont révéler la nature de chacun par le pouvoir de l’illusion. Au détour de ce voyage initiatique, Prospero lui-même fera l’expérience de ses propres limites. Dernière pièce de Shakespeare écrite en 1611, La Tempête est une œuvre singulière et insaisissable. Réflexion métaphysique sur le pouvoir, la liberté, la compassion et le pardon, mêlant fantastique, humour piquant et poésie aérienne, elle regroupe tous les thèmes chers à l’auteur. Peter Brook a monté la pièce à plusieurs reprises de 1957 à 1991. Aujourd’hui, avec la collaboration de Marie-Hélène Estienne, le metteur en scène a décidé de reprendre la mer avec un petit groupe de comédiens de tous horizons, pour aller de nouveau à la découverte des trésors secrets de la pièce. Ils sont partis à la recherche de sa signification cachée, de sa résonance et de sa musicalité dans sa langue d’origine. Au terme de quinze jours d’improvisations avec les acteurs, dans une scénographie dépouillée, dans un jeu épuré, en quête de l’essence même du théâtre, les séances de travail ont été restituées au public lors de trois soirées de partage en février 2020 au Théâtre des Bouffes du Nord. De cette recherche est née cette nouvelle Tempête, rencontre du monde visible des hommes et du monde invisible des esprits, fil d’Ariane tissé entre le réel et le songe.

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L’Absence de père

Communication — Sun, 14 Jun 2020 22:25:05 +0000

C’est soir de fête dans la maison d’Anna Petrovna, jeune veuve qui, ne pouvant faire face à ses dettes, est sur le point de perdre sa propriété.
À moins que Paul Pétrine, riche homme d’affaires qui s’est entiché d’elle, puisse la sauver de la ruine ? Sont aussi présents le beau-fils d’Anna, Sergueï et sa femme Sophie, Michel Platonov, instituteur de campagne et amour de jeunesse de Sophie, maintenant marié à Sacha et père depuis peu, ainsi que quelques autres… Huit trentenaires de milieux disparates, dans des vies mal ajustées, résignées ou étriquées, des vies rêvées trop grandes. Ce qui devait être de joyeuses retrouvailles tourne vite aux répliques pleines d’aigreur et aux joutes verbales sarcastiques. Platonov, « petit Platon », charme, déçoit, pique, questionne et – comme il le fait pour lui-même – instille le doute chez ces êtres enfermés dans leurs petites vies. L’écrivain Guillaume Poix et la metteuse en scène Lorraine de Sagazan, artiste associée au TGP, ont pris à bras-le-corps ce texte de jeunesse de Tchekhov, inachevé, épars, foisonnant. Du souffle rapide et des émotions abrasives, ils ont retenu le rythme et le désenchantement, revitalisant les mots tout en gardant l’intention première de l’auteur. Ils y ont greffé une écriture volontairement contemporaine et joint des souvenirs vécus et intimes des acteurs, créant ainsi la généalogie mouvante d’une fiction ultra-réaliste, de la scène à la vie. Ces récits personnels résonnent avec ceux des spectateurs qui, répartis sur les quatre côtés du plateau, au plus près des émois et des échecs vibrants, sont pris à témoin des questionnements d’une génération qui se cherche, ne se retrouve pas, qui se désire, se déchire, essaie de se consoler. Sur fond de fracture et de déterminisme social, entre désillusion et colère, la compagnie La Brèche déconstruit les héritages paternels et leurs idéaux dans une ardente et incessante volonté de vivre.

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Lucy in the sky est décédée

cyber — Sun, 14 Jun 2020 22:17:57 +0000

Trois hommes et une femme remontent le temps, dans un appartement envahi par le sable noir du désert, qu’ils ont autrefois habité : Luc, ardent, mélancolique, Abel, l’ami indéfectible, solide et l’énigmatique et fascinante Isis dont ils sont tous deux amoureux. Passionnés par les mystères des premières traces humaines et de leur généalogie, ils sont accompagnés dans leur quête par le professeur Brunet, paléoanthropologue, mentor et protecteur de cette petite troupe d’aventuriers. Ensemble, ils évoquent l’histoire de leur rencontre, de leurs amours et du deuil qui les touche. Les récits impulsent le jeu des comédiens, voguent à la crête des années passées et c’est toute la genèse d’une époque qui défile. Du plateau devenu champ de fouilles, foré comme par des trous de mémoire, vont ressurgir les pièces d’un grand puzzle qui est le leur mais aussi le nôtre.

La pièce se présente comme un conte moderne, une chronique incomplète à la fois documentée et fabulée d’une génération de la fin du XX^e siècle jusqu’à aujourd’hui. Ayant longtemps étudié la philosophie et passionnée par les sciences humaines, Bérangère Jannelle a commencé à écrire Lucy in the sky est décédée quand elle a découvert que les paléoanthropologues, les ethnologues du temps présent, les philosophes et les scientifiques se rejoignaient pour affirmer qu’il y avait eu plus de révolutions humaines accumulées au cours du dernier quart de siècle qu’en quatre millions d’années. Tout d’un coup, le vertige ressenti quotidiennement par l’effet d’accélération du réel et par la compression du temps, a pris sens. Et la question de ce qui constitue notre humanité s’est posée. Que s’est-il passé entre ce passé lointain et ce présent qui va trop vite ?

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