Un texte sensible et fort sur l’amour au plus près des adolescents.

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Mi-femme mi-animal, la sirène est, dans notre imaginaire collectif, une représentation du féminin associée au glamour, à l’érotisme, à la tentation, à la cruauté, ou encore à la naïveté voire à l’idiotie… Hélène Bertrand, Margaux Desailly et Blanche Ripoche s’emparent de cette figure mythologique et inventent un freak show onirique pour en saisir toutes les facettes et les complexités et tâcher de dépasser les clichés désuets qui l’entourent.

Pour ces jeunes comédiennes- metteuses en scène, qui conçoivent et écrivent ensemble leur premier spectacle, donner corps sur un plateau à une figure aussi multiple que mystérieuse, c’est l’occasion de questionner nos mythes, écrits par des hommes, en les tournant en dérision. En jouant avec cet attrait du frisson que l’on retrouve dans les spectacles de bêtes féroces, il s’agit de mettre à nu des fantasmes millénaires sur le féminin mais aussi sur le sauvage et la façon dont l’humain s’acharne à domestiquer corps humains ou animaux pour en faire des êtres de divertissement. Absurde, iconoclaste et poétique, Sirènes secoue notre patrimoine fictionnel pour laisser advenir, qui sait, de nouveaux récits et de nouveaux liens au sein du vivant.

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À travers la géographie et l’architecture des lieux, le mouvement des corps des nageurs qui l’environnent ou encore les sensations que le contact de l’eau provoque en elle, se dessine tout un paysage peuplé d’une faune étrange, un monde mythique qui n’est pas sans évoquer nos propres origines.

Comédienne et romancière, Anne Brochet écrit ici spécifiquement pour le théâtre un seule-en- scène poétique qu’elle interprète elle-même. Avec la collaboration de la chorégraphe Joëlle Bouvier, elle explore la fragilité du corps et du cœur, ceux du personnage comme ceux de l’actrice. Pas à pas elle construit son parcours physique, son rapport à l’endurance, mais également sa trajectoire émotionnelle, depuis le plongeon vers les profondeurs obscures jusqu’à une remontée à la surface. Au langage de la danse s’ajoutent des images sans paroles, projections fantasmées qui sont comme les échos silencieux du texte narratif.

Cette traversée de bassin relève de la confession autant que de la performance physique, de l’observation autant que de la rêverie.

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Elsa Granat s’inspire librement du RoiLear de Shakespeare pour ausculter le rapport que nous entretenons avec le grand âge, la décrépitude et la mort : un rapport de déni qui conduit à parquer les vieux hors champ – loin des bien-portants et des actifs qui n’ont pas le temps – dans des établissements spécialisés où tout le monde joue la comédie de la normalité. Comment pouvons-nous nous résoudre à cela ?

Chargé de révolte et de lucidité noire, King Lear Syndrome ou les Mal élevés est une satire grinçante et bouleversante qui entrechoque les époques et les styles : le quotidien le plus trivial y côtoie le poème et le chant, les chaises en plastique accueillent les fantômes élisabéthains.

Le comique se niche dans tous les plis du tragique, plaçant le spectateur, toujours sur le qui-vive, entre les larmes et le rire. Elsa Granat et son équipe, renforcée par la présence sur scène de comédiens amateurs âgés, portent avec fougue et insolence ce miroir tendu vers nos angoisses et nos incapacités modernes : une folle sarabande pour relier les générations et célébrer dignement notre humanité.

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Si la chambre bleue a donné son titre au roman de Georges Simenon et sert de décor où va se sceller le sort fatal des deux amants, Éric Charon a eu l’idée originale d’adapter cette fiction policière à d’autres territoires. Après avoir investi les ateliers de la Briche, les couloirs de l’hôpital Delafontaine et le marché de Saint-Denis, cinq comédiens et deux musiciens vont s’immerger dans le quartier de la Porte de Paris, autour de la Bourse du travail.

À la recherche de la vérité, le juge Diem mène l’enquête et l’instruction jusqu’au procès et sa résolution. Reconstituant pas à pas avec lui les faits et gestes des personnages sur les traces du drame, les spectateurs suivent in situ les moments-clés de l’intrigue et son dénouement. Empruntant au film noir ses ingrédients, les ambiances sombres et sensuelles, la musique inquiétante, viennent souligner les heures tragiques du récit. L’équipe artistique s’est aussi imprégnée du paysage dionysien pour plonger l’action au plus près de sa singularité, de sa configuration, en y intégrant des acteurs locaux qui sont amenés à intervenir dans la trame de l’histoire.

Imaginant ce théâtre hors les murs comme terrain de jeu, ils créent ensemble une tension entre réel et fiction, proposent une véritable série noire démultipliée en autant de chambres bleues, autant d’identités que pourrait avoir cette histoire passionnelle et criminelle, banale et fascinante à la fois.

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Nourris par ces témoignages, l’auteur et la metteuse en scène ont écrit neuf récits pour neuf personnages qui nous parlent d’un mort qui a particulièrement compté dans leur existence. Loin du pathos, les comédiens prennent à bras-le-corps, par la parole et le geste, ces histoires tour à tour lyriques, tragiques ou triviales, toujours en équilibre entre douleur et douceur, confessions bouleversantes et sourires. Totalement engagés dans leur mission de passeurs et toujours conscients de leur rôle, ils redonnent vie aux morts et explorent ce que ces disparus laissent à ceux qui restent. Dans cette partition collective, à la fois orale et chorégraphiée, la peine de l’un est toujours l’objet de l’attention de tous.

La scène devient alors le refuge précieux de l’expression du chagrin, un espace atypique où l’intime croise le politique et où s’invente un rituel païen, cathartique et lumineux. Le réel et la fiction se mêlent dans un ballet vertigineux pour libérer angoisse et colère, amour et regrets, et faire du temps de la représentation un moment de recueillement puissant, de joie et de plénitude. Un sacre célèbre ainsi la vigueur du théâtre dans sa capacité à répondre à notre besoin de consolation.

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Sa liberté de pensée et son bagou donnent le ton et l’élan à cette saga familiale ancrée dans la classe ouvrière allemande et les grandes luttes de son époque, qu’il s’agisse de l’émancipation féminine, des droits de l’enfant et des personnes âgées ou des premières tentatives d’autogestion.

Créé en septembre 2021 au TGP, Huit heures ne font pas un jour y revient à la suite d’une tournée dans toute la France. Après l’adaptation des films Fanny et Alexandre d’Ingmar Bergman et Un conte de Noël d’Arnaud Desplechin, Julie Deliquet s’est inspirée de la mini-série de cinq épisodes du cinéaste et dramaturge Rainer Werner Fassbinder diffusée à la télévision allemande en 1972. Énorme succès en Allemagne, cette oeuvre du peuple pensée pour le peuple met en scène le peuple ! Méconnue en France, cette pépite connaît ici sa toute première version théâtrale. Unique dans l’oeuvre du cinéaste par sa dimension résolument optimiste, la série mêle divertissement populaire et critique sociale, menée à hauteur de femmes et d’hommes. 

Concentrant l’action dans un espace unique qui se métamorphose au gré des péripéties professionnelles ou amoureuses de la famille, la metteuse en scène rassemble trois générations d’acteurs qui insufflent à cette galerie de personnages hauts en couleur l’énergie du collectif. L’insolence et l’humour ravageur de ces héros ordinaires nourrissent l’espoir d’une société heureuse et épanouie. Ici l’union fait la force et fertilise l’imagination, quels que soient les obstacles rencontrés en chemin. Cette fable aux allures d’utopie est aussi une fête théâtrale, comme un revigorant antidote au découragement et à la grisaille des temps. 

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