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C’est tout l’imaginaire des victimes qui se fait jour à travers ces lettres. Ainsi que le sentiment d’injustice de leurs auteurs. Injustice qu’ils espèrent voir réparée, eux qui continuent d’avoir foi en l’État français. Mais les réponses de l’administration sont systématiquement laconiques et sans appel : le Commissariat général aux questions juives dit devoir s’en remettre aux forces occupantes. Ces suppliques constituent un matériau exceptionnel sur les drames de la Shoah en France et la logique, hypocrite et délétère, du gouvernement de Vichy. Créatrices d’un théâtre documenté qui mêle les récits politiques, historiques et intimes, Julie Bertin et Jade Herbulot transposent sur scène six de ces lettres. Elles tissent archives et fiction, dialogues et geste dansé, pour recréer le paysage historique de ces instantanés de vie, et rendre corps et voix à tous ces disparus. Dans un dispositif scénographique qui traduit l’enfermement des familles, observées et scrutées de toute part, quatre interprètes d’âges différents redonnent ainsi vie et dignité à six destins brisés. Ce témoignage passionnant et bouleversant sur un certain héritage français est aussi un antidote à tous les discours de haine d’aujourd’hui

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À la croisée du conte et du réel, Guillaume Barbot livre une lecture du mythe d’Icare en forme de récit initiatique contemporain. Le spectacle déploie un univers visuel très fort, réunissant une circassienne, qui incarne Icare et ses envies d’envol, grâce à un trampoline, des ombres projetées et de la musique baroque en direct. Dans cet écrin magique, s’écrit ainsi une ode au désir et à l’inconnu. C’est en chutant qu’Icare apprendra à grandir. Et son père comprendra, dans le labyrinthe qu’est la paternité, que protéger son fils, c’est trouver le cadre juste pour oser laisser son enfant voler de ses propres ailes.

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Dans la pénombre d’un petit matin, le cirque Natchav arrive en ville. Le convoi de caravanes et de camions s’installe sur la place centrale. Brusquement, au nom de la sécurité, les autorités somment le cirque de partir et lui imposent un terrain vague en périphérie. Suite à une échauffourée, l’un des acrobates est arrêté et incarcéré pour outrage et rébellion. Circassiens et prisonniers se mettent alors en tête de réaliser une évasion spectaculaire, pleine d’ingéniosité et de rebondissements…

Natchav – « s’en aller, s’enfuir » en romani – raconte une histoire où se mêlent deux univers fondamentalement opposés, en marge de la société, celui du cirque et celui de la prison. D’un côté, l’enfermement, l’absence d’espace, la solitude et l’inactivité. De l’autre, le cirque – inscrit dans la préservation du nomadisme, de l’indépendance, de la communauté et du jeu – invite à un voyage vers l’extraordinaire et le merveilleux. La compagnie Les ombres portées poursuit son exploration poétique du théâtre d’ombre dans ce spectacle où images, musique et bruitages sont fabriqués en direct et servent de guide à l’histoire, à son suspense et ses surprises. Sur scène, les manipulateurs éclairent à vue les différents décors et personnages installés sur des supports mobiles. Cette écriture scénique particulièrement dynamique, entre réalisme et onirisme, captive le regard et met en jeu une idée de la liberté : celle du mouvement, indissociable de tout être qui veut rester vivant.

Margot Chamberlin a participé à la construction des marionnettes et joué ce spectacle jusqu’en juin 2023. Ce spectacle est dédié à Olivier Cueto, membre de la compagnie, qui nous a quittés en mars 2020. Il a imaginé, créé et joué ce spectacle avec nous jusqu’au bout.

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Dans Salti, trois amis, qui s’ennuient, se donnent une règle de jeu : tirer au sort celui ou celle qui jouera le « tarantolato » ou la « tarantolata », les deux autres incarneront les personnages de danseurs-soigneurs. Brigitte Seth et Roser Montlló Guberna revisitent cette tradition séculaire et inventent un spectacle tourbillonnant aux confins de la danse contemporaine, du théâtre et de la musique. Au son d’une musique percussive, les trois complices se lancent alors dans une ronde joyeuse et endiablée, tour à tour acrobatique et clownesque. Le remède devient vite contagieux, une contagion festive et ludique, pour chasser l’ennui, la tristesse, la solitude, les injustices et les peurs. Salti relève d’une écriture ciselée où les rythmes, les mots et les mouvements fusionnent et nous entraînent vers une forme de transe, salvatrice et malicieuse. La vitalité des trois comparses – Jim Couturier, Louise Hakim et Lisa Martinez – est irrésistible et drôlissime. Ensemble, ils célèbrent la puissance de la danse et offrent un pur moment de joie.

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Mais la mécanique va se gripper car Goupil est un assistant rebelle qui veut voler la vedette à son maître !

Référence incontournable de la magie nouvelle, Étienne Saglio signe ici un petit bijou d’invention et de drôlerie. Les visions de ce goupil qui s’envole, accroché à la ficelle d’un ballon rose, qui se met à danser sur la table ou chipe les lunettes de son partenaire de scène, ont de quoi fasciner petits et grands. Au fil des numéros de ce duo comique improbable, la magie nous fait basculer progressivement dans un monde de film d’animation qui se joue sous nos yeux, un hommage à Tex Avery autant qu’aux studios Pixar. De surprise en surprise, nous sommes invités à voyager dans le monde de l’illusion où nos repères tanguent et nos esprits s’évadent, un univers sans paroles qui laisse toute la place à l’imaginaire. Ce cabaret magique, aux allures délicieusement rétro, nous éloigne en douceur de notre quotidien et nous offre, le temps d’une représentation, une bulle de légèreté, de finesse et de féérie.

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Lorsque Paris a été désignée ville olympique pour 2024, huit lieux de création et de diffusion du spectacle vivant en Seine-Saint-Denis ont eu le désir de rêver ensemble à ce que pourrait être l’Olympiade Culturelle : un événement artistique, festif et fédérateur à l’image de la richesse du territoire.
Réunies au sein du collectif La Beauté du geste, ces maisons ont entamé à partir de l’été 2022, avec des artistes du cirque, de la danse et du théâtre, un processus de création participatif au long cours. Ces projets, impulsés avec des partenaires associatifs, éducatifs et sociaux et imaginés avec les habitants, formeront en juin 2024 les différentes parties d’une grande parade réunissant plus d’un millier de jeunes.
La fabrique artistique de On ne va pas se défiler ! et son événement final portent haut et fort la créativité, la diversité et la solidarité de la Seine-Saint-Denis.
À l’invitation de Julie Deliquet, la compagnie Toujours Après Minuit, dirigée par Brigitte Seth et Roser Montlló Guberna, imagine la partie de la parade dionysienne. Pendant un an, les deux artistes créeront avec cent cinquante collégiens et lycéens de Saint-Denis, des musiciens, des acteurs et danseurs professionnels, une chorégraphie originale inspirée de danses traditionnelles espagnoles, italiennes, sud-africaines et toutes les danses qui pulsent au cœur de la Seine-Saint-Denis.

Le collectif La Beauté du geste rassemble huit lieux de création et de diffusion* du spectacle vivant en Seine-Saint-Denis, qui placent au cœur de leur activité la rencontre entre des artistes et les habitantes et les habitants d’un département en pleine mutation, symbole d’une France ouverte et imaginative, incarnée, en premier lieu, par sa jeunesse. Ces huit lieux sont tous, avec une multiplicité d’approches et d’identités artistiques, des ambassadeurs de la création contemporaine et ont en commun une vision ambitieuse du territoire en termes d’éducation populaire et de politiques culturelles.
* Il s’agit du Théâtre de la Commune d’Aubervilliers, de la MC93 – maison de la culture de Seine-Saint-Denis de Bobigny, du Centre culturel Jean Houdremont de La Courneuve, de la Maison des Jonglages de la Courneuve, du Théâtre Public de Montreuil – CDN, du Centre national de la Danse de Pantin, du Théâtre Gérard Philipe, centre dramatique national de Saint-Denis, de l’Espace 1789 de Saint-Ouen, du Théâtre Louis Aragon de Tremblay-en-France.

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Cette agression verbale fut un déclencheur pour Issam Rachyq-Ahrad, lui rappelant sa propre enfance où se mêlaient fierté, humiliation et honte face au silence de sa mère. Issam adulte convoque les souvenirs de sa vie quotidienne auprès de sa mère pour sortir de son incompréhension et de son propre préjugé contre ce bout de tissu qu’elle porte. Se dessine alors peu à peu le portrait sensible d’une mère, qui rend hommage à sa dignité. Porteur d’un théâtre destiné à tous, et notamment à ceux qui s’en sentent éloignés, Issam Rachyq-Ahrad mêle lucidité, humour et tendresse pour parler des relations entre parents et enfants et de la place de chacun au sein de la société. En déplaçant le regard sur celle qui le porte plutôt que sur le foulard lui-même, il propose une rencontre et offre à sa mère, comme à nous la possibilité d’une réparation.

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Pour sa troisième création à la Comédie-Française, après Vania et Fanny et Alexandre, Julie Deliquet rend hommage à Molière et à sa troupe. Loin de la fresque biographique, c’est à une chronique savoureuse du quotidien d’un collectif artistique, à hauteur d’homme et de femme, que la metteuse en scène et ses co-autrices, Julie André et Agathe Peyrard, nous convient.

L’action de la pièce, à la fois documentée et librement rêvée, se déroule dans l’appartement parisien de Molière, à deux pas du théâtre du Palais-Royal, une sorte
d’auberge espagnole du XVII^e siècle où vivent et travaillent l’auteur, ses interprètes et leurs enfants.

Nous sommes en 1663, année charnière où leur premier grand succès, celui de L’École des femmes, provoque une cabale à laquelle Molière réplique vivement avec La Critique
de L’École des femmes, puis L’Impromptu de Versailles.

C’est pendant cette période d’ébullition que nous assistons, à la manière d’invités privilégiés, aux enthousiasmes, débats houleux, répétitions dans l’urgence ou repas festifs que partage l’équipe.

Théâtre, vie familiale et amoureuse sont ici inextricablement liés. Dans cette coopérative artistique, où femmes et hommes sont égaux en matière de salaires et de prises de décision, se posent des questions sur le succès, les hiérarchies internes, les frustrations liées aux distributions mais aussi sur l’argent et le rapport à l’État. Saisi avant d’être sacré trésor national par la postérité, c’est un Jean-Baptiste Poquelin fougueux que l’on voit tenter de maintenir l’équilibre de son petit monde pour servir au mieux son art.

Dans ce tableau impressionniste qui procure un délicieux vertige, la Troupe de la Comédie-Française fait subtilement palpiter l’intimité effervescente de cette joyeuse bande dont elle est l’héritière.

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