Comédienne et romancière, Anne Brochet écrit et interprète un seule-en-scène cousu de poésie et d’humour sur la fragilité du corps et du cœur d’une femme de cinquante ans. Une plongée dans une histoire intime au bout de laquelle scintillent la possibilité du renouveau et la palpitation de la vie.

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Après une première étape en solitaire*, Lionel González a invité deux artistes à le rejoindre : Jeanne Candel et Thibault Perriard. Chaque soir, ils recomposent la nouvelle de Fédor Dostoïevski en la traversant dans le présent d’un plateau de théâtre.

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Pratique de la ceinture, Ô ventre est la première pièce de Vanessa Amaral, comédienne et metteuse en scène. Inspirée de ses expériences de fille et sœur afro-descendante, et de son admiration pour les métiers de la santé, souvent exercés par des femmes racisées, invisibilisées et mal payées, la pièce fait du ventre un prisme d’observation de notre rapport au corps, à ses tabous et ses troubles. Tour à tour origine du monde, poubelle alimentaire ou lit du désir, le ventre est une cible pour toutes les injonctions sociales et sexuées.

Depuis l’annonce du diagnostic jusqu’à l’espoir d’une rémission, le texte fait alterner voix intime de l’héroïne et situations concrètes auxquelles elle est confrontée, souvenirs d’enfance et étapes de son parcours de combattante. Le désarroi flirte constamment avec l’humour devant l’absurdité de certaines expériences. Jouant avec la temporalité et les flash-back, la pièce se déploie dans une scénographie mobile qui assure la fluidité du voyage au cœur de l’expérience de la maladie.

Avec quatre comédiens et comédiennes, Vanessa Amaral donne vie à une galerie de personnages dont elle explore la vulnérabilité commune et la possible solidarité. La mise en mouvement des corps, jusqu’à la danse comme exutoire, leur permet peu à peu de se sentir reliés et de sublimer les épreuves et la peur. Ainsi le spectacle dessine-t-il un parcours initiatique, un chemin vers l’émancipation où l’élan vital l’emporte sur les maux.

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Gaëlle Hermant et sa co-autrice Olivia Barron nous plongent dans cet espace de confession où se brassent tous les sujets, entre rires et larmes : amour, travail, liens familiaux, rêves et solitude. Le salon de voyance de Maria est un microcosme où résonnent angoisses archaïques et maux du temps.

Inspiré d’une vraie rencontre, le spectacle invente une fiction qui mêle le témoignage intime de Maria à la parole de trois personnages venant la consulter. La musique, créée et portée au plateau par la compositrice multi-instrumentiste Viviane Hélary, accompagne chaque mouvement et offre des temps de respiration et d’exutoire.

Souvent considérée comme relevant du charlatanisme, la voyance est pourtant l’un des plus vieux métiers du monde. En temps de crise, il connaît des pics d’activité. Le besoin de connaître l’avenir est-il l’écho d’une société dans l’impasse ? Ou interroge-t-il sur un contexte plus global de crise et de souffrance du lien social ? Quel que soit notre degré de croyance, ces paroles délivrées sur scène permettent peut-être d’aider à réparer les vivants.

Ce texte est inspiré d’entretiens réalisés avec la cartomancienne Maria Vassalli.

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Autrice et metteuse en scène, Pauline Sales entreprend une réécriture contemporaine, théâtrale et musicale du mythe, qui raconte la naissance des saisons et porte aussi en lui beaucoup des sujets qui nous occupent aujourd’hui. Il y est question, entre autres, d’inceste, d’écologie, d’émancipation, de renaissance. 

Dans une langue concrète et poétique, à travers des dialogues ciselés et incisifs, Les Deux Déesses propose une grande épopée en forme de comédie musicale. La pièce met au centre deux héroïnes qui surent tenir tête aux dieux et se retrouver envers et contre tout. Mêlant électro et acoustique, la musique participe au réalisme magique du texte qui nous conduit dans l’Olympe, sur terre et en enfer. Sur scène, avec quelques accessoires, les actrices et les acteurs passent à vue d’un rôle à l’autre et déroulent la fable – tantôt chantée, tantôt parlée – comme autant de tableaux visuels et sonores. Mêlant l’antique et le contemporain, s’amusant des anachronismes, le spectacle invente un univers décalé mais subtil et précis, qui revivifie cette fabuleuse histoire.

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Après son ébouriffante plongée dans Le Roi Lear de William Shakespeare à travers King Lear Syndrome ou les Mal élevés, Elsa Granat poursuit sa recherche d’un théâtre ultra-sensible et bondissant qui se réapproprie les grandes fictions de notre héritage littéraire. Croisant la poésie de Shakespeare, l’écriture de plateau et sa propre écriture, l’autrice et metteuse en scène s’empare cette fois de Roméo et Juliette, cette histoire d’amour dont la fin tragique est due à l’aveuglement de parents accrochés à leurs principes et à leur haine ancestrale. Mais cette fois, les enfants ne se laisseront pas faire. Dans Les Grands Sensibles, les adolescents prennent leurs parents pour ce qu’ils sont, des enfants de maternelle travestis en dirigeants du monde, dont la folie conduit l’humanité vers la catastrophe et leurs propres enfants vers la mort. Et si ces derniers rejetaient le destin qu’on leur impose et obligeaient les parents à changer d’angle de vue ? Et s’ils rééduquaient leurs aînés ? 

Avec douze interprètes accompagnés d’enfants et de seniors amateurs, Elsa Granat invente une libre variation sur une fiction mythique, pour repenser l’ordre du monde et du pouvoir, dans la jubilation, à partir du point de vue de celles et ceux qui devraient avoir droit à une belle vie.

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À travers la géographie et l’architecture des lieux, le mouvement des corps des nageurs qui l’environnent ou encore les sensations que le contact de l’eau provoque en elle, se dessine tout un paysage peuplé d’une faune étrange, un monde mythique qui n’est pas sans évoquer nos propres origines.

Comédienne et romancière, Anne Brochet écrit ici spécifiquement pour le théâtre un seule-en- scène poétique qu’elle interprète elle-même. Avec la collaboration de la chorégraphe Joëlle Bouvier, elle explore la fragilité du corps et du cœur, ceux du personnage comme ceux de l’actrice. Pas à pas elle construit son parcours physique, son rapport à l’endurance, mais également sa trajectoire émotionnelle, depuis le plongeon vers les profondeurs obscures jusqu’à une remontée à la surface. Au langage de la danse s’ajoutent des images sans paroles, projections fantasmées qui sont comme les échos silencieux du texte narratif.

Cette traversée de bassin relève de la confession autant que de la performance physique, de l’observation autant que de la rêverie.

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Fédor Dostoïevski introduit ainsi, dans sa note d’auteur, la trame de sa nouvelle, intitulée La Douce. Après son dernier spectacle, Les Analphabètes, présenté au TGP en 2019, c’est de ce récit que Lionel González s’inspire pour cette nouvelle création. 

L’homme se parle à lui-même, se raconte l’histoire, essaie de découvrir la raison de ce geste désespéré. Ce monologue introspectif le plonge au plus profond de ses souvenirs et l’emporte dans un maelström d’émotions contradictoires. D’abord désordonnée, sa pensée s’organise peu à peu. Le passé qu’il ressasse en une longue bataille intérieure, brutale et bouleversante, le mène à la découverte de la vérité. 

Après une première étape en solitaire, Lionel González a invité deux artistes à le rejoindre : trois gestes donc, pour, chaque soir, recomposer la nouvelle en la traversant dans le présent du plateau. Celui de Jeanne Candel, plastique et performatif, viendra s’opposer à celui de Lionel González, tout en paroles, tandis que Thibault Perriard composera le sien, musical et sonore, comme un invisible qui circule et qui relie. C’est à cette veillée-là que les spectateurs sont conviés. 

* Extrait de la note de l’auteur (1876)

Traduction André Markowicz

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