Un texte sensible et fort sur l’amour au plus près des adolescents.

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Les Plateaux Sauvages et le Théâtre Gérard Philipe, centre dramatique national de Saint-Denis, s’associent à nouveau pour la 5^e édition du festival L’Équipé·e, qui a pour thématique « l’enfant ».

Un ensemble artistique – Christian et François Ben Aïm, Ambre Febvre, Estelle Meyer, Élise Noiraud,  Benoît Seguin, Annabelle Simon – et deux autrices – Claudine Galea et Joséphine Serre – sont réunis pour aborder ce sujet qui traverse les genres et les générations.

ÉCLAIRER LA VIE 

Texte Claudine Galea
Mise en scène et interprétation Benoît Seguin

Il y a des enfances qui sont assassines. Mais même face au chaos, il est possible de se relever, et de comprendre parfois que les assassins étaient eux-mêmes assassinés.  Revenue de l’enfance, une jeune fille choisit de penser sa vie. Une liberté et une puissance inédites s’offrent à elle.

QU’ELLE EST BELLE CETTE TÊTE QUI PENSE 

Texte Claudine Galea
Mise en scène et interprétation Annabelle Simon

Plus lentes, plus naïves, plus confiantes… 
En un mot : différentes. Les enfants ne rentrent pas tous·tes dans le moule de la bonne scolarité. Dans un monde où il faut aller plus vite pour être toujours plus rentable, comment vivre le droit d’être soi au cœur de sa différence ? Et qui doit s’adapter ?

APRÈS LES LARMES 

Texte Claudine Galea
Mise en scène et interprétation Ambre Febvre

Elle a « un beau visage », un corps en surpoids. Le regard des autres l’écrase. Elle adopte la stratégie du rire pour faire semblant d’être forte… Mais viennent les larmes qui ravagent. Alors comment renverser la stratégie ? Poser son propre regard sur le monde, prendre sa place, se risquer et soudain apparaître. 

HURLEURS DE PAGAILLE 

Texte Joséphine Serre
Mise en scène et interprétation Christian et François Ben Aïm

Un enfant joueur, ou bien cosmique, un parent étonné, un autre impuissant… Sous forme de scènes fragmentaires, des fenêtres s’ouvrent sur de brefs portraits d’existences. Dans le fond, les enfants ne seraient-iels pas des sorcier·ère·s ? Des poètes ? Des danseur·se·s de la joie et de la solitude ? Des hurleurs de pagaille et de mélancolie ?

LE MUR, VA FALLOIR SE LE PRENDRE ! 

Texte Joséphine Serre
Mise en scène et interprétation Élise Noiraud

Une femme confie ses souvenirs d’enfance. Elle parle de sa mère, surtout, mais pas que. Les enfants malheureux·ses sont plein·e·s de ressources… À travers ses perceptions d’alors, elle livre son chemin pour s’arracher d’un amour qui détruit. À presque quarante ans, elle se demande : faut-il se défaire de la mère pour devenir mère à son tour ?

FIV. FIÈVRE INTÉRIEURE VIVE.

Texte Joséphine Serre
Mise en scène et interprétation Estelle Meyer

Une femme chante le féminin, les règles, la Lune et les forêts. Elle veut donner la vie mais découvre que pour son corps, ça n’est pas si simple d’enfanter. Elle chante la maladie aussi. Comment faire avec le corps qui échappe ? Comment trouver l’enchantement dans un univers médicalisé ? Comment dire la brûlure, l’espoir et les doutes ? 

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Les complices du Vélo Théâtre inventent depuis plus de vingt-cinq ans un langage expressif qui s’appuie sur la manipulation d’objets pour mettre en branle les rouages de notre imaginaire. Ils aiment à s’appeler des contrebandiers d’histoires. Ainsi, Et il me mangea restitue par bribes des atmosphères liées aux vieux contes populaires qu’il dépoussière. Une clé, une galette, des bottes de sept lieues ou un couteau nous ouvrent les portes d’histoires que l’on croit reconnaître mais qui se mélangent de façon très ludique. Nous sommes invités à une balade dans un univers saisissant de sons et de lumières, à la fois familier et étrange. Inspirée par l’héritage croisé de Charles Perrault et Lewis Carroll, la mise en scène de Francesca Bettini combine théâtre d’ombres, papiers déchirés et accessoires miniatures pour créer un livre d’images, décalé et rempli d’émotions fortes. Et il me mangea rend savoureuse, poétique et drôle l’idée que les contes sont des peurs d’enfant qui s’accomplissent !

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FANMKIKA

Le Gwo Ka est une musique née du plus profond des entrailles de la Guadeloupe, du cœur et de la voix des esclaves africains. Accompagné de danses et de chants, le tambour Ka est, depuis des siècles, l’expression de l’âme du peuple guadeloupéen, de son histoire et de ses contestations. Il est le fer de lance des Fanmkika, un groupe musical composé de femmes issues d’univers différents : chanteuses, danseuses ou encore « tanbouyèz » (percussionnistes), toutes éprises de la musique Gwo Ka. Rassemblées autour du tambour Ka, c’est au nom des traditions que ces femmes – convaincues du rôle qu’elles tiennent au cœur de la société guadeloupéenne – sont soucieuses de pérenniser leurs racines et de les transmettre à la nouvelle génération. Pour ce concert au féminin sur la scène du Théâtre Gérard Philipe, les Fanmkika chanteront aux rythmes du tambour les œuvres des « Maîtres Ka », dans un élan de partage et la promesse d’une véritable « Swaré Léwòz » (soirée musicale) comme à Pointe-à-Pitre.

LE BIG IN JAZZ COLLECTIVE

Le Big In Jazz Collective est au jazz ce que Kassav a été pour le zouk et la culture antillaise: l’ambassadeur d’une musique plurielle ouverte sur un monde en perpétuel mouvement. Ce collectif de huit musiciens, dont l’album est sorti en juillet 2021, est représentatif d’un jazz avant-gardiste, capable de s’inspirer des standards des musiques traditionnelles antillaises et de la biguine pour décupler leur puissance avec les sonorités contemporaines de la soul, du jazz, du reggae et du rock’n’roll! Un cocktail savoureux, mené d’une main de maître par les «jazz vengers» des temps modernes issus de la Martinique, de la Guadeloupe et d’Haïti.

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Ancienne interprète d’Anne Teresa De Keersmaeker, à la tête de sa propre compagnie Didascalie depuis 1997, Marion Lévy est passionnée par la rencontre du texte et de la danse, qui selon elle créent ensemble un troisième langage porteur de sens et de poésie. S’adressant pour la première fois aux enfants dès quatre ans, elle imagine un spectacle interactif dans lequel le public participe activement à l’avancée du récit.

Au fil de la poésie de l’autrice Mariette Navarro – qui joue librement avec le conte et avec nos souvenirs –, le danseur Stanislas Siwiorek se met en mouvement, bondit, virevolte, et retrouve sa légèreté d’enfant. Grâce aux tout jeunes spectateurs à qui il demande un geste, puis un autre, qu’il intègre et transforme, il fait exister forêt, cascades, ogres et parents, chemins perdus puis retrouvés, au cours d’un voyage imaginaire ludique et limpide. Mêlant classique et contemporain avec une agilité et un bonheur manifestes, il invite peu à peu le public à entrer dans la danse !

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Dans ce texte du dramaturge anglais Mike Kenny, l’un des auteurs contemporains les plus réputés du théâtre jeune public, on reconnaît derrière le personnage de la vieille dame le fantôme de l’irrévérencieuse Louise Bourgeois, artiste touche-à-tout, qui a beaucoup interrogé la place des femmes dans la société et œuvré pour leur émancipation. Convoquant des souvenirs d’enfance, à l’écoute de ses blessures, et de la réparation que l’art y a apportée, Louise partage avec Julie sa vulnérabilité et sa soif de liberté. La petite fille, dont la maman est partie, confie peu à peu à Louise son chagrin.

Simon Delattre propose à trois comédiens-marionnettistes le soin de faire vivre cette rencontre hors norme entre deux solitudes qui vont s’apprivoiser et se réconforter. La manipulation des marionnettes, jolie métaphore de nos interdépendances, introduit distance et poésie dans cette savoureuse histoire d’amitié, d’empathie et de liens précieux entre générations. Une fable sur la transmission destinée aux enfants de huit à cent ans…

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Sur un canevas nourri d’improvisations consolidées au fil du temps et de rencontres avec les habitants, l’équipe des huit comédiens et comédiennes invente un récit à plusieurs voix, qui questionne notre avenir et fête le fait d’être vivants. Après des mois passés isolés devant des écrans à absorber des actualités mortifères, il était urgent et vital pour eux de retrouver un espace commun où faire groupe et de défier la tragédie. Entre Rimbaud et rock’n’roll, La Fête de la fin célèbre le goût du risque, la joie des corps en présence et la capacité d’agir. Consumer la vie une dernière fois avant que tout disparaisse, n’est-ce pas prendre le pari de faire surgir l’espoir au milieu du chaos ?

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Mi-femme mi-animal, la sirène est, dans notre imaginaire collectif, une représentation du féminin associée au glamour, à l’érotisme, à la tentation, à la cruauté, ou encore à la naïveté voire à l’idiotie… Hélène Bertrand, Margaux Desailly et Blanche Ripoche s’emparent de cette figure mythologique et inventent un freak show onirique pour en saisir toutes les facettes et les complexités et tâcher de dépasser les clichés désuets qui l’entourent.

Pour ces jeunes comédiennes- metteuses en scène, qui conçoivent et écrivent ensemble leur premier spectacle, donner corps sur un plateau à une figure aussi multiple que mystérieuse, c’est l’occasion de questionner nos mythes, écrits par des hommes, en les tournant en dérision. En jouant avec cet attrait du frisson que l’on retrouve dans les spectacles de bêtes féroces, il s’agit de mettre à nu des fantasmes millénaires sur le féminin mais aussi sur le sauvage et la façon dont l’humain s’acharne à domestiquer corps humains ou animaux pour en faire des êtres de divertissement. Absurde, iconoclaste et poétique, Sirènes secoue notre patrimoine fictionnel pour laisser advenir, qui sait, de nouveaux récits et de nouveaux liens au sein du vivant.

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