À travers des ateliers de théâtre et d’écriture, elle fait émerger les voix de celles et ceux souvent confrontés aux stéréotypes et à la précarité du monde du soin. Pensée comme un oratorio contemporain, cette nouvelle création mettra en lumière leurs récits et leurs réalités, portés par un choeur sensible et engagé.

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Deux jeunes gens, fille et garçon, vivent dans une sorte de décharge, au milieu de poubelles et de matériaux usés les plus divers. Bouts de plastique, bâches, ferraille, cartons… Livrés à eux-mêmes, mais dotés d’une inventivité joueuse, ils fabriquent toutes sortes de dispositifs pour s’étonner l’un l’autre, recréent tempêtes en mer ou forêts mystérieuses. Mi-magiciens, mi-clowns, ils réinventent les grands espaces avec la naïveté et l’espièglerie des enfants. Renaissent ainsi des sensations oubliées.

Alors que pour les enfants d’aujourd’hui, l’eau, l’air, la terre et le feu sont souvent liés à des catastrophes naturelles, Terairofeu est un spectacle visuel et sonore hautement ludique autour des quatre éléments, une rêverie destinée à renouer avec l’imaginaire positif qui peut y être associé. Pierre Meunier et Marguerite Bordat inventent ensemble des formes théâtrales où dominent l’expérience plastique, la confrontation avec le mouvement des matériaux, et le plaisir d’en découdre avec les lois physiques qui parlent secrètement de notre condition humaine.

Placé à proximité des interprètes, mais aussi des matières manipulées, le public est embarqué dans cette recréation du monde artisanale et burlesque, soutenue par une composition musicale et des bruitages qui contribuent à éveiller les sens et l’imagination. Terairofeu est une invitation poétique et loufoque à retrouver l’émerveillement devant les richesses de la Terre autant qu’une célébration du jeu comme force vitale.

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Issu de l’École du Théâtre National de Strasbourg, Romain Gneouchev signe une mise en scène reposant sur la simplicité du dispositif scénique et les vertiges de la narration. Ysanis Padonou est seule en scène, dans un espace parsemé de quelques objets disposés sur un sol en lino blanc. Un patin à roulettes, une rose immortelle, des statuettes camerounaises, des balles de tennis, une peluche et une boîte en porcelaine que sa mère lui a léguée sont autant de fragments d’une mémoire que nous voyons se décomposer et se recomposer au fil du spectacle. Ce surgissement du réel répond au besoin de la jeune femme de briser le tabou sur la maladie qui a toujours prévalu dans sa famille. Il donne également lieu à des révélations bouleversantes.

Munie d’une oreillette dans laquelle son texte peut lui être soufflé en cas de trou de mémoire, la comédienne nous convie à la suivre dans un vertigineux labyrinthe fait de souvenirs et de miroirs déformants. Dans cette mise à nu qui relève de l’autofiction viennent s’enchevêtrer vécu intime et constellation familiale, doutes, lucidité et quotidien sur les planches. Refusant le dolorisme, Une chose vraie s’intéresse moins à la pathologie qu’à ses conséquences sur la vie. Le spectacle scrute le deuil, la transmission et le déni mais, plus que tout, laisse toute sa place à l’amitié et à la joie de vivre : une joie complexe et pourtant lumineuse.

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Pourquoi refuse-t-on aux gens de choisir l’heure et la manière de mourir ? L’autrice et metteuse en scène Héloïse Janjaud, formée au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique, fait de cette question brûlante d’actualité le moteur de cette première création. Au cours d’une enquête préparatoire, elle rencontre Flore, ancienne psychologue, décidée à partir tant qu’elle se sent en pleine possession de ses moyens. Flore devient à la fois le fil rouge de la pièce et son personnage principal, entouré par des créatures de fiction nourries par d’autres rencontres et témoignages.

En situant l’action sur le plateau de cette émission étrange, Héloïse Janjaud joue du trouble entre théâtre documentaire et fiction burlesque. Cet espace est en effet un lieu de parole et de débat mais les codes des talk-shows et les mécanismes de la télé-réalité génèrent aussi des situations absurdes, voire grotesques. Cette tension tragi-comique fait passer le public du rire aux larmes et ouvre la réflexion sur une question aussi universelle que délicate pour les personnes qui veulent décider de leur mort comme pour ceux et celles qui les accompagnent.

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Après un triptyque consacré aux amnésies coloniales, dont Et le cœur fume encore et 1983 furent présentés au TGP, Margaux Eskenazi se lance dans une nouvelle recherche autour de l’œuvre d’Imre Kertész (1929-2016). Survivant des camps de concentration d’Auschwitz, de Buchenwald et de Zeitz, Imre Kertész a consacré le reste de sa vie à la littérature. Il est notamment connu pour son roman Être sans destin, qui fait le récit de son expérience concentrationnaire.

Mais l’ensemble de son œuvre constitue un immense travail pour comprendre la spécificité de cette expérience et de ses conséquences, tant à l’échelle intime que pour l’ensemble de la civilisation occidentale. Cette œuvre est également une réflexion sur la littérature et sur le pouvoir du roman. C’est en 2002 seulement qu’Imre Kertész accède à une reconnaissance internationale, dépassant largement les bornes de sa Hongrie natale, lorsqu’il reçoit le prix Nobel de littérature.

Le spectacle, dans un dialogue constant avec cette œuvre littéraire majeure du XX^e siècle, adresse au temps présent une réflexion sur le racisme, l’antisémitisme et le totalitarisme. Des fantômes, errant entre deux mondes, nous invitent ainsi à questionner nos identités multiples et complexes.

Kaddish naît d’une écriture de plateau très vivante mêlant récits, témoignages, œuvres littéraires et écriture musicale portée sur scène par le compositeur et musicien Malik Soarès. Alliant l’intime et le politique, la poésie et l’humour, le théâtre de Margaux Eskenazi et son équipe poursuit son exploration délicate des blessures mémorielles, pour mieux espérer collectivement en l’avenir.

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Julien Villa adapte au théâtre son propre roman. Sur scène, dans un dispositif de studio de radio, il se fait conteur. Accompagné par deux interprètes, il fait jaillir et vivre tous les personnages mythiques d’un même quartier. À leurs côtés, le musicien Tristan Ikor conçoit en direct une bande-son hip-hop qui invite au voyage. Le pouvoir du récit et de la musique crée la magie de cet univers de quartier réinventé, sa fantaisie et sa poésie. Aux antipodes du documentaire et du misérabilisme, les mésaventures de Julo et des autres habitants de la cité deviennent épiques. Par l’humour et des incursions dans le fantastique, ce récit musical donne une puissante étrangeté à la laideur et la banalité.

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Quatre interprètes, dont une pianiste, surgissent devant le public : ils sont élégants, mais on perçoit qu’ils ont bras cassés, crâne bandé, jambe plâtrée. Sur le plateau nu, ces grands accidentés de l’existence découvrent un théâtre miniature à partir duquel ils vont se lancer dans le récit des aventures de deux astronautes, Boris et Kyril, en perdition dans le cosmos. Une femme restée sur Terre tente de communiquer avec eux par visioconférence : elle incarne tour à tour des scientifiques, des enfants passionnés par la vie dans l’espace ou encore l’ordinateur du vaisseau spatial. Loufoques et maladroits, nos deux antihéros tentent de réinventer leur vie en apesanteur.

Jeanne Candel crée avec ses interprètes des spectacles où théâtre et musique fusionnent organiquement. Fusées fait danser les scènes sur un répertoire musical très varié, entre chansons populaires et morceaux classiques. Ici, pas d’écrans, pas de machines : tout n’est que jeu. Quelques objets ingénieusement bricolés, animés par la fantaisie des acteurs et de la pianiste, permettent de tout imaginer. Ce quatuor burlesque s’aventure ainsi dans l’infiniment grand avec les moyens de l’infiniment petit, tour à tour cocasse, mélancolique et tendre. Fusées s’amuse de notre folie comme de notre fragilité et célèbre dans la joie la puissance du théâtre.

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Écrit en immersion dans deux collèges à Saint-Denis, ce texte de Leïla Anis s’appuie sur des recherches en linguistique qui visent à déconstruire le principe selon lequel le masculin l’emporterait sur le féminin ! Réactivant le principe littéraire du regard étranger critique envers nos habitudes, cette fable malicieuse propose une satire de nos catégorisations de sexe et de genre et une dénonciation des violences qui en découlent.

Dans cette mise en scène, Julie Bertin et Jade Herbulot adoptent le point de vue de Nour à qui ce nouveau pays semble bien bizarre. Par le biais d’inventions visuelles et sonores, elles travaillent sur l’étrangeté de ce monde : un espace mystérieux habité par de drôles de créatures.

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L’histoire rassemble une préado, ses parents et le grand-père atteint d’une maladie dégénérative. Immobilisé sur son fauteuil, Papy raconte des histoires abracadabrantes et se prend pour Don Quichotte ! Le matin, il veut qu’on lui ramène sa monture et qu’on l’aide à passer son armure. Parfois, en plein milieu du repas, Papy Quichotte veut faire un tournoi. Alors Papa Lancelot prend les armes et défie le vieil homme. Maman, quant à elle, invente des attaques de brigands pour que Papy puisse la défendre. Ainsi, contrairement aux filles du Roi Lear, les enfants de Papy ont décidé qu’ils ne se débarrasseront pas du vieil homme : ils ne le placeront pas en EHPAD, mais prendront soin de lui, en lui faisant vivre au quotidien l’histoire héroïque dont il rêve. Mais pour la jeune fille, qui cherche à saisir la vérité du monde, comment comprendre cette folie apparente ?

Papy Quichotte est une histoire de transmission : la jeune fille découvre une philosophie créative de la vie qui accueille la vulnérabilité avec respect et assume notre besoin de fictions quel que soit notre âge.

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Fidélité(s) ou la Panenka d’Hakimi s’inspire de la figure du footballeur espagnol et marocain Achraf Hakimi qui, lors de la Coupe du monde de football au Qatar en 2022, choisit l’équipe nationale du Maroc plutôt que celle d’Espagne et élimina cette dernière avec un geste devenu mythique : une Panenka, une action toute simple, l’humiliation suprême.

Le dilemme qui se pose à Lila déclenche récits et débats au sein de sa famille, où les trajectoires individuelles se mêlent à l’histoire de l’immigration postcoloniale en France, où chacune et chacun se trouve ébranlé dans son identité, où le football féminin devient le point de rencontre entre les espoirs, parfois vibrants, parfois déçus, de trois générations.

Cette fiction, commandée à l’autrice Mona El Yafi, d’origine libanaise, par le metteur en scène Ali Esmili, franco-marocain, met en jeu la question de la double culture et la complexité du sentiment d’appartenance : quand on est de plusieurs endroits, à qui va notre fidélité ? Dans un dispositif scénique qui place les protagonistes au centre de l’attention, sur le plateau comme à l’écran, la pièce déroule, dans une langue à la fois percutante et poignante, les hésitations et les doutes de personnages ballotés entre histoire familiale, aspirations personnelles et racisme ordinaire.

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