À partir des récits singuliers des participantes et des participants et de textes littéraires, Métissage(s) explore notre rapport au passé et la pluralité de nos héritages, qu’ils soient intimes, culturels ou politiques. À la croisée du documentaire et de la fiction, le spectacle met en lumière les richesses, mais aussi les tensions, qui naissent de l’entrelacement des cultures dans le monde d’aujourd’hui.

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Une fête se prépare. Il faut décider d’un thème, cuisiner, créer un décor, trouver des costumes, écrire un texte. Autant de rendez-vous qui ponctuent les deux derniers jours de ce microcosme.

Avec son équipe, Elsa Revcolevschi invente une forme à la hauteur de la communauté menacée, qui fait de sa forteresse une utopie. Loin d’un théâtre documentaire, le spectacle donne à voir des scènes de vie mêlant rêve et réalité, poésie et paroles du quotidien pour en faire un théâtre d’art puissant.

La force du spectacle réside dans sa capacité à célébrer la joie de vivre et du collectif tout en questionnant celle de nos politiques de santé publique à accueillir les malades.

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Économie de la parole, théâtre d’images, costumes improvisés ou objets d’une grande beauté : la scène se transforme en un espace foisonnant où se mêlent rites médiévaux et culture pop. S’appuyant sur les traditions réelles ou fantasmées, les folklores et l’histoire de l’art, Mystères fait se rencontrer Bacchus, Mickey, un géant de carnaval et même une farandole de squelettes afin d’interroger, avec humour et malice, notre rapport au sacré.

Jouant avec les codes du carnaval, Mystères est une cérémonie païenne à la fois contemporaine et ancestrale, à la frontière du clown, de la performance et du théâtre pour célébrer le renouveau.

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Sous la houlette de deux fringantes maîtresses de cérémonie, les comédiennes-chanteuses du Birgit Ensemble, accompagnées de deux musiciens, se saisissent de l’actualité française et européenne pour lui tordre le cou. Dans la droite ligne de l’école brechtienne, chansons et saynètes, inspirées par l’actualité brûlante, jeux avec le public et chorégraphies alternent allègrement, entre satire et burlesque. Le compositeur Grégoire Letouvet et le parolier Romain Maron écrivent, pour chaque édition du cabaret, des chansons inédites.

Après une sixième édition, créée en décembre 2024, consacrée aux fêtes de fin d’année et à leur lot de bilans, bêtisiers et best of en tous genres ce nouvel opus s’empare de l’événement politique de l’année 2027. Entre candidats-surprises, campagne médiatique ratée, promesses intenables et débats qui dérapent, l’ambiance promet d’être exaltée.

Depuis leurs débuts, les spectacles de Julie Bertin et Jade Herbulot, fondatrices du Birgit Ensemble, sont inspirés par l’histoire récente. Ce goût pour un théâtre documenté prend ici la forme d’un spectacle convivial, festif et insolent qui croque notre époque avec ironie : un moment unique qui réussit à nous rassembler par le rire autour de ce qui peut nous diviser. Un savant dosage de provocation, de lucidité et de fantaisie !

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Actrice et cofondatrice de la Piccola Familia, Julie Lerat-Gersant est devenue cinéaste et romancière. 1729 secondes est sa première pièce : un texte fiévreux, en tourbillon perpétuel, où les histoires et les luttes des uns et des autres se heurtent et se dévoilent, au centre-ville, à l’université, au commissariat ou à l’hôpital.

Dans une distribution mêlant les générations, les huit interprètes jouent plusieurs rôles, portant tour à tour la narration et l’incarnation. Julie Lerat-Gersant confie au musicien électro Clément Mirguet le soin de créer un environnement sonore qui hante le spectateur. La scénographie et les lumières d’Éric Soyer portent à son sommet l’art de faire apparaître et disparaître les interprètes, qui naviguent entre action, ralentis et arrêts sur image, dans une maîtrise parfaite. Évoluant sur une ligne de crête, cette chronique ardente de notre époque oscille entre responsabilité et lâcheté ordinaire, indifférence et besoin de liens.

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Ce texte de l’autrice québécoise Marie-Christine Lê-Huu explore comment la violence surgit face à la différence. Il met à nu nos pensées les plus secrètes, les plus inavouables, quand la vie se charge de bousculer le rôle que chacun s’était assigné. Les six interprètes dirigés par Élise Vigier ont pour mission de jouer tous les rôles, y compris celui de Oiseau. Les tableaux se font et se défont en toute fluidité, autour d’une écriture fragmentaire, concise et teintée d’humour. Qui est l’oiseau de qui ? Qui est compris ou incompris par qui ?

Le jeu, la musique et le dessin donnent forme à cette pièce chorale, où se pose sans cesse la question du point de vue. Tout au long du spectacle, l’artiste et comédienne Jacinthe Cappello dessine en direct, faisant apparaître peu à peu une grande fresque colorée. Oiseau [guide de survie] se déploie comme un roman graphique qui prend corps sur scène avec délicatesse. Rendant sensible l’histoire de cet enfant, cet adolescent, cet être différent que nous portons tous et toutes en nous à divers moments de nos vies.

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Un trouble ? La jeune fille au pair observe la scène de loin et prête à Vincent un désir pervers. Elle se confie aux parents. Les doutes et la peur mènent à un procès, puis à un non-lieu. Vincent part s’installer à Rome.

Vingt-cinq ans plus tard, Raphaël est devenu un peintre reconnu, travaillant autour du motif de l’eau et de la submersion. Une exposition remet les deux hommes face à face. Pendant trois jours, alors qu’aucun des deux n’a jamais connu d’hommes, ils font l’amour. C’est cette histoire que Vincent a confiée à sa psychanalyste Anne Dufourmantelle, qui en a fait un chapitre dans son livre En cas d’amour.

Sur scène, la psychanalyste et la juge qui fut en charge du procès reconvoquent les faits et nous obligent à confronter nos propres jugements. Le récit nous laisse ainsi face à des questions irrésolues, vivantes, et à des vertiges. Habité par des cloisons tantôt transparentes, tantôt opaques, à la fois frontières, filtres et supports de projection, l’espace fait coexister le présent et le passé, le visible et l’invisible. Toutes ces années après, que fait Raphaël auprès de Vincent : se réapproprie-t-il son histoire ? S’en libère-t-il ? Adepte d’un théâtre d’acteurs au service de héros et de sentiments dignes de la mythologie grecque, Noëmie Ksicova nous embarque dans un monde où les personnages sont captifs de passions puissantes qui les dépassent.

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Ce conte social est une pièce musicale dont Joachim Latarjet a composé la partition qu’il joue en direct, notamment au trombone et à la guitare. L’humour, la délicatesse et la poésie des personnages sont portés par trois interprètes qui chantent et jouent tous les rôles. Dans un espace habité par des projections vidéo qui font exister la maison, l’école et le chemin sur lequel Tuk se met à rêver, on est saisi par ce récit où l’imagination vient ouvrir les horizons.

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Lisa et son mari Quenu mènent une existence paisible avec leur fille Pauline, au cœur de leur charcuterie florissante dans les Halles centrales de Paris. Mais tout bascule avec le retour inattendu de Florent, le frère de Quenu, après huit ans passés au bagne pour s’être soi-disant insurgé le 4 décembre 1851 contre le coup d’État de Napoléon III.

Émile Zola interroge la conscience de celles et ceux qui, dans leur confort, choisissent d’ignorer la souffrance des autres. Pour nourrir cette conversation entre deux époques, Anne Barbot puise dans ses propres questionnements en tant que femme, mère, citoyenne et artiste. Le Ventre de Paris, c’est la biographie d’un rêveur, traumatisé par la mort d’une inconnue et par le bagne, révolté par les injustices, qui se heurte au réel.

Et c’est le parcours d’une femme, Lisa, qui vit dans la crainte de retomber dans la pauvreté de son enfance et s’efforce de préserver ses acquis. Le tout sous le regard de Claude, l’artiste qui observe. Avec Agathe Peyrard, Anne Barbot signe une adaptation organisée en épisodes centrés sur les points de vue des héros. Cette dramaturgie mêle le quotidien des personnages à leurs illusions et leurs hantises. Elle crée un jeu constant entre la réalité brute et l’évasion psychique. La scénographie nous entraîne dans un voyage entre ordre et chaos où se heurtent aspiration au changement et désir de sécurité, soif d’action et immobilisme.

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Après La Brèche, et Qui a besoin du ciel, Eden est le troisième volet de la trilogie de l’autrice étasunienne Naomi Wallace, qui dépeint les ravages du néolibéralisme à la fin du XX^e siècle dans le Kentucky.

Tommy Milliot, le metteur en scène, vient du Nord de la France, région ouvrière tombée en disgrâce après l’effondrement des industries textiles et fossiles. Voilà de quoi nouer des liens. Dans Eden, il confie à cinq jeunes interprètes le soin de porter cette écriture aussi poétique que politique. La scène est habitée par leur présence adolescente, liquide, flottante, presque rêvée. Ce récit initiatique du passage à l’âge adulte frappe par sa véracité et bouscule le mythe du rêve américain.

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