Nossa Angola

Le projet Nossa Angola réunit trois artistes de la diaspora angolaise autour d’un récit musical imaginaire, inspiré d’un Angola qu’ils n’ont jamais connu.

Cette création mêlant chant, guitare et danse convoque nos imaginaires. Sur scène, la

puissance du performeur Cabuenha, les riffs imprégnés de sonorités angolaises du guitariste Lameck, et la voix chaleureuse de Lulendo – ancien choriste de Papa Wemba – se rencontrent pour créer un moment suspendu.

Banda Duia

Banda Diua réunit les enfants du célèbre guitariste Eduardo Garcia Adolfo, dit « Duia », premier musicien à avoir introduit les ondes d’une guitare électrique dans le semba traditionnel angolais.

Accompagnés de Chico Santos – talentueux percussionniste de Banda Maravilha – les frères et sœurs Duia offrent un semba authentique, mêlant à leurs propres compositions des reprises en hommage à leur père. 

Un concert inédit, où l’on passe du chant langoureux d’un lamento à une irrésistible envie de danser ! 

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Ekla ! est le fruit de la rencontre de trois disciplines. Éric Singelin, concepteur de livres animés pour enfants, a créé un livre pop-up géant qui sert de décor et de surface de projection aux images de Nikodio, créateur vidéo. Rappelant les jouets optiques et la figure du Tangram, les pages du livre deviennent des sculptures en mouvement. De part et d’autre du dispositif graphique et lumineux, les deux musiciens du groupe électro Turnsteak créent en direct une bande-son cinématographique qui évolue au fil du dessin. Mi-écrit, mi-improvisé, le concert se fabrique à partir de sons préenregistrés ou captés sur scène. Quelques accessoires et éléments de costumes intègrent les deux complices au décor et à la traversée : Ekla s’écrase sur une planète inconnue, y égare ses pierres lumineuses et part à leur recherche. Avant de rejoindre l’infinie galaxie, elle va découvrir les secrets d’un monde inconnu.

Chaque page invite à l’écoute et à la contemplation. Jeux de lumière et de couleurs et trouvailles graphiques font virevolter la terre, la mer, des créatures étranges et le ciel étoilé. Ekla ! dessine un voyage visuel et musical chatoyant.

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L’ensemble vocal Sequenza 9.3 a souhaité collaborer avec Senny Camara, grande voix des musiques traditionnelles africaines. Accompagnés d’un guitariste et d’un pianiste, ils font résonner ensemble les chants de traditions orales collectés en Seine-Saint-Denis et les chants traditionnels du répertoire africain de Senny Camara, arrangés par Manuel Peskine. Ce concert est pensé comme une rencontre entre les voix lyriques, les traditions musicales africaines et les chants du monde. Ainsi se créent un patrimoine et un matrimoine collectifs, riches de diversité.

Ziza Youssouf

À la fois chanteur, danseur, auteur et compositeur, Ziza Youssouf porte une musique universelle qu’il puise dans ses racines mauritaniennes. Cet artiste à l’énergie communicative, transporte le public au carrefour des cultures avec des compositions chantées en peul, wolof, arabe, anglais et français. Entouré de ses musiciens, il engage sa voix sur des mélodies blues et des afro-pop pour transmettre des messages de paix, de justice et d’égalité.

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Fille d’Œdipe et de Jocaste, la jeune Antigone défie les lois du roi Créon qui interdisent d’enterrer le corps de son frère Polynice désigné comme ennemi de la cité. Antigone brave l’injustice, désobéit à son roi et enterre son frère. Elle en mourra. Avec Taire, Tamara Al Saadi interroge les visions d’une adolescence accablée par le monde qui l’entoure, qui ne parvient plus à penser son avenir. À la croisée de la recherche en sciences sociales et du théâtre, le travail de l’autrice et metteuse en scène s’est nourri en amont de rencontres et d’ateliers avec des jeunes en milieu hospitalier et lieux de soins. Au cœur d’une actualité traversée par des problématiques environnementales, géopolitiques, sociales et caractérisée par une anxiété croissante chez les adolescents, comment ces derniers perçoivent-ils cette figure féminine qui se dresse face à l’autorité paternelle et politique ? Comment ce mythe résonne-t-il alors que le monde contemporain plonge les plus jeunes dans un état de sidération ? Quel regard portent-ils sur leur propre impuissance, leur nécessité de crier une révolte impossible ?

Dans une scénographie épurée, un chœur de douze interprètes porte ces questionnements, dans l’intrication des langues, de la musique et des sons. La présence d’une bruiteuse et de deux musiciens sur scène accompagne les procédés d’un théâtre qui se fabrique à vue. Finesse d’écriture, simplicité et précision d’un artisanat assumé construisent un conte dystopique qui emprunte sa puissance au mythe.

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Quels nouveaux récits inventer face à ce sentiment de perdre la Terre ? Fable écologique, Le Pays innocent parle d’une renaissance possible et des alternatives réelles et rêvées au catastrophisme ambiant. Auteur et metteur en scène, Samuel Gallet fabrique des spectacles à la lisière entre théâtre et poésie, politique et onirisme, réel et surréel. Il agence plusieurs formes littéraires et théâtrales en dialogue constant avec la composition musicale et la création sonore. Récits, dialogues et poèmes composent par fragments un texte mosaïque, ancré dans l’âpreté de notre monde abîmé mais ouvrant vers des espaces peu à peu revivifiés par l’apparition de la forêt et son imaginaire.

Six interprètes, comédiens et musiciens, portent ensemble ce conte tendu entre le sentiment d’une chute irrémédiable et les énergies de reconstruction qui traversent nos sociétés et nos fors intérieurs. Le Pays innocent questionne le rapport que l’on entretient aux origines et à la descendance, à nos capacités de projection dans le monde qui vient. La scène devient alors un lieu peuplé de vertiges, d’appréhensions aussi de joie, de beauté et d’humour.

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Ce spectacle est le fruit de dix jours de création avec les élèves apprentis de première année. En collaboration avec les artistes musiciens Vincent Ségal et Tomás Gubitsch, Anna Rodriguez mêle des trajectoires chorégraphiques entre les corps des agrès et ceux des instruments, provoquant de possibles rencontres oniriques.

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Autrice et metteuse en scène, Pauline Sales entreprend une réécriture contemporaine, théâtrale et musicale du mythe, qui raconte la naissance des saisons et porte aussi en lui beaucoup des sujets qui nous occupent aujourd’hui. Il y est question, entre autres, d’inceste, d’écologie, d’émancipation, de renaissance. 

Dans une langue concrète et poétique, à travers des dialogues ciselés et incisifs, Les Deux Déesses propose une grande épopée en forme de comédie musicale. La pièce met au centre deux héroïnes qui surent tenir tête aux dieux et se retrouver envers et contre tout. Mêlant électro et acoustique, la musique participe au réalisme magique du texte qui nous conduit dans l’Olympe, sur terre et en enfer. Sur scène, avec quelques accessoires, les actrices et les acteurs passent à vue d’un rôle à l’autre et déroulent la fable – tantôt chantée, tantôt parlée – comme autant de tableaux visuels et sonores. Mêlant l’antique et le contemporain, s’amusant des anachronismes, le spectacle invente un univers décalé mais subtil et précis, qui revivifie cette fabuleuse histoire.

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Une multitude de petites histoires trépidantes émaillent cette transformation méthodique de la nature. Au fil des tableaux, animaux, humains et créatures fantastiques se croisent et révèlent l’extraordinaire foisonnement du monde vivant. Entre réalisme et fantasmagorie, ce témoignage poétique sur l’état et l’avenir du monde nous invite à inventer la suite.

La Soupe Compagnie poursuit avec Et puis son travail d’adaptation pour la scène d’albums illustrés. Destiné aux tout-petits, le spectacle cherche à partager avec eux, sans brusquerie, des questions sur l’avenir de la planète. Croisant théâtre d’ombre, marionnettes et projections vidéo, le spectacle évolue dans une scénographie en mouvement constant, qui stimule l’attention et la curiosité des enfants. 

Dans ce décor d’opéra magique, la musique imprègne chaque événement et accompagne les métamorphoses du paysage, tantôt symphonique, tantôt rythmique. Et puis déploie une poétique visuelle et sonore pour observer notre rapport au monde vivant, notre insatiable volonté de l’exploiter mais aussi notre besoin de l’aimer et de l’admirer dans sa fragilité et sa beauté.

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