Les spectacles de la compagnie sont toujours créés avec la volonté de produire une matière sensible, nourrie d’inventions sonores en tout genre. Jouer avec les sons, composer des partitions à partir du quotidien, s’amuser avec les codes musicaux : telles sont les lignes directrices qui guident son travail. À l’origine de Tec-Tec, il y a l’envie de créer un ensemble de morceaux puisant leur inspiration dans d’autres cultures — plus précisément du côté de l’afrobeat, des éthiopiques et du maloya réunionnais — dans une démarche qui place les métissages au cœur de la création.

La grande nouveauté réside dans l’utilisation de nombreuses machines sonores à percussion, à mi-chemin entre art brut et lutherie sauvage. Un spectacle ludique et festif qui provoquera sans nul doute une furieuse envie de danser en famille, entre amis et à tout âge.

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Sous la houlette de deux fringantes maîtresses de cérémonie, les comédiennes-chanteuses du Birgit Ensemble, accompagnées de deux musiciens, se saisissent de l’actualité française et européenne pour lui tordre le cou. Dans la droite ligne de l’école brechtienne, chansons et saynètes, inspirées par l’actualité brûlante, jeux avec le public et chorégraphies alternent allègrement, entre satire et burlesque. Le compositeur Grégoire Letouvet et le parolier Romain Maron écrivent, pour chaque édition du cabaret, des chansons inédites.

Après une sixième édition, créée en décembre 2024, consacrée aux fêtes de fin d’année et à leur lot de bilans, bêtisiers et best of en tous genres ce nouvel opus s’empare de l’événement politique de l’année 2027. Entre candidats-surprises, campagne médiatique ratée, promesses intenables et débats qui dérapent, l’ambiance promet d’être exaltée.

Depuis leurs débuts, les spectacles de Julie Bertin et Jade Herbulot, fondatrices du Birgit Ensemble, sont inspirés par l’histoire récente. Ce goût pour un théâtre documenté prend ici la forme d’un spectacle convivial, festif et insolent qui croque notre époque avec ironie : un moment unique qui réussit à nous rassembler par le rire autour de ce qui peut nous diviser. Un savant dosage de provocation, de lucidité et de fantaisie !

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Ce texte de l’autrice québécoise Marie-Christine Lê-Huu explore comment la violence surgit face à la différence. Il met à nu nos pensées les plus secrètes, les plus inavouables, quand la vie se charge de bousculer le rôle que chacun s’était assigné. Les six interprètes dirigés par Élise Vigier ont pour mission de jouer tous les rôles, y compris celui de Oiseau. Les tableaux se font et se défont en toute fluidité, autour d’une écriture fragmentaire, concise et teintée d’humour. Qui est l’oiseau de qui ? Qui est compris ou incompris par qui ?

Le jeu, la musique et le dessin donnent forme à cette pièce chorale, où se pose sans cesse la question du point de vue. Tout au long du spectacle, l’artiste et comédienne Jacinthe Cappello dessine en direct, faisant apparaître peu à peu une grande fresque colorée. Oiseau [guide de survie] se déploie comme un roman graphique qui prend corps sur scène avec délicatesse. Rendant sensible l’histoire de cet enfant, cet adolescent, cet être différent que nous portons tous et toutes en nous à divers moments de nos vies.

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Ce conte social est une pièce musicale dont Joachim Latarjet a composé la partition qu’il joue en direct, notamment au trombone et à la guitare. L’humour, la délicatesse et la poésie des personnages sont portés par trois interprètes qui chantent et jouent tous les rôles. Dans un espace habité par des projections vidéo qui font exister la maison, l’école et le chemin sur lequel Tuk se met à rêver, on est saisi par ce récit où l’imagination vient ouvrir les horizons.

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Les nuits de Noël au TGP accompagnèrent une décennie de fiertés des musiques africaines qui firent vibrer les âmes et les corps d’une génération dont les enfants revendiquent la filiation.

Afrodescendantes, d’ici et non d’ailleurs, ces soirées affirment des identités sans cesse recomposées, rebattues par les flows des vents musicaux venus autant de l’Afrique de l’Ouest, de Jean-Sébastien Bach que de la funk et du blues. Qui mieux que Nina Tonji pouvait relever le gant et faire dialoguer les générations africoloriennes en revisitant les standards, les hymnes, les berceuses, les louanges ? Autant chez elle avec Mozart qu’avec Toto Guillaume, elle est à la direction musicale de cette création afroascendante, entourée de wordsofAzia, fondatrice du Bhété Jazz, et bien d’autres. Ils et elles dessinent un nouveau continent, cartographient les croisements musicaux et spirituels qui les façonnent, se défont des Orients comme des Occidents, des Nords comme des Suds : les pieds dans la Seine-Saint-Denis, la tête dans l’harmonie des sphères, les peaux des tambours et des corps tendues vers une idée belle et simple : nous sommes là et nous ne bougerons pas

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En évoquant ainsi le mythe de Dionysos ou l’histoire de François Le Lionnais, qui survécut à l’enfer d’un camp de concentration en faisant ressurgir de sa mémoire des peintures vues au Louvre, le spectacle célèbre la puissance de l’esprit, de l’humanisme et de l’amitié.

Avec sa belle équipe d’interprètes et de musiciens, Jeanne Candel donne vie aux mouvements d’âme d’une petite salle des fêtes en naviguant entre mirage et technique à vue. Se poursuit ainsi un travail entamé avec Baùbo et Fusées : le groupe s’amuse à faire apparaître des événements tout en nous montrant les ficelles. L’interaction entre le jeu et la musique est centrale. Sous la direction musicale de Thibault Perriard s’inventent des instruments composites qui tirent leur inspiration de références très variées. CAPRA (une chèvre) répond à l’envie de faire du théâtre à partir de ses rouages les plus élémentaires, manipulés par des artistes virtuoses, pour faire naître des émotions puissantes. Dans cette histoire, à la fois sombre et lumineuse, se déploie la force de l’imagination qui permet à l’âme humaine, dans les pires moments de barbarie, de trouver les ressources nécessaires pour survivre.

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Nossa Angola

Le projet Nossa Angola réunit trois artistes de la diaspora angolaise autour d’un récit musical imaginaire, inspiré d’un Angola qu’ils n’ont jamais connu.

Cette création mêlant chant, guitare et danse convoque nos imaginaires. Sur scène, la

puissance du performeur Cabuenha, les riffs imprégnés de sonorités angolaises du guitariste Lameck, et la voix chaleureuse de Lulendo – ancien choriste de Papa Wemba – se rencontrent pour créer un moment suspendu.

Banda Duia

Banda Diua réunit les enfants du célèbre guitariste Eduardo Garcia Adolfo, dit « Duia », premier musicien à avoir introduit les ondes d’une guitare électrique dans le semba traditionnel angolais.

Accompagnés de Chico Santos – talentueux percussionniste de Banda Maravilha – les frères et sœurs Duia offrent un semba authentique, mêlant à leurs propres compositions des reprises en hommage à leur père. 

Un concert inédit, où l’on passe du chant langoureux d’un lamento à une irrésistible envie de danser ! 

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Ekla ! est le fruit de la rencontre de trois disciplines. Éric Singelin, concepteur de livres animés pour enfants, a créé un livre pop-up géant qui sert de décor et de surface de projection aux images de Nikodio, créateur vidéo. Rappelant les jouets optiques et la figure du Tangram, les pages du livre deviennent des sculptures en mouvement. De part et d’autre du dispositif graphique et lumineux, les deux musiciens du groupe électro Turnsteak créent en direct une bande-son cinématographique qui évolue au fil du dessin. Mi-écrit, mi-improvisé, le concert se fabrique à partir de sons préenregistrés ou captés sur scène. Quelques accessoires et éléments de costumes intègrent les deux complices au décor et à la traversée : Ekla s’écrase sur une planète inconnue, y égare ses pierres lumineuses et part à leur recherche. Avant de rejoindre l’infinie galaxie, elle va découvrir les secrets d’un monde inconnu.

Chaque page invite à l’écoute et à la contemplation. Jeux de lumière et de couleurs et trouvailles graphiques font virevolter la terre, la mer, des créatures étranges et le ciel étoilé. Ekla ! dessine un voyage visuel et musical chatoyant.

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L’ensemble vocal Sequenza 9.3 a souhaité collaborer avec Senny Camara, grande voix des musiques traditionnelles africaines. Accompagnés d’un guitariste et d’un pianiste, ils font résonner ensemble les chants de traditions orales collectés en Seine-Saint-Denis et les chants traditionnels du répertoire africain de Senny Camara, arrangés par Manuel Peskine. Ce concert est pensé comme une rencontre entre les voix lyriques, les traditions musicales africaines et les chants du monde. Ainsi se créent un patrimoine et un matrimoine collectifs, riches de diversité.

Ziza Youssouf

À la fois chanteur, danseur, auteur et compositeur, Ziza Youssouf porte une musique universelle qu’il puise dans ses racines mauritaniennes. Cet artiste à l’énergie communicative, transporte le public au carrefour des cultures avec des compositions chantées en peul, wolof, arabe, anglais et français. Entouré de ses musiciens, il engage sa voix sur des mélodies blues et des afro-pop pour transmettre des messages de paix, de justice et d’égalité.

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Fille d’Œdipe et de Jocaste, la jeune Antigone défie les lois du roi Créon qui interdisent d’enterrer le corps de son frère Polynice désigné comme ennemi de la cité. Antigone brave l’injustice, désobéit à son roi et enterre son frère. Elle en mourra. Avec Taire, Tamara Al Saadi interroge les visions d’une adolescence accablée par le monde qui l’entoure, qui ne parvient plus à penser son avenir. À la croisée de la recherche en sciences sociales et du théâtre, le travail de l’autrice et metteuse en scène s’est nourri en amont de rencontres et d’ateliers avec des jeunes en milieu hospitalier et lieux de soins. Au cœur d’une actualité traversée par des problématiques environnementales, géopolitiques, sociales et caractérisée par une anxiété croissante chez les adolescents, comment ces derniers perçoivent-ils cette figure féminine qui se dresse face à l’autorité paternelle et politique ? Comment ce mythe résonne-t-il alors que le monde contemporain plonge les plus jeunes dans un état de sidération ? Quel regard portent-ils sur leur propre impuissance, leur nécessité de crier une révolte impossible ?

Dans une scénographie épurée, un chœur de douze interprètes porte ces questionnements, dans l’intrication des langues, de la musique et des sons. La présence d’une bruiteuse et de deux musiciens sur scène accompagne les procédés d’un théâtre qui se fabrique à vue. Finesse d’écriture, simplicité et précision d’un artisanat assumé construisent un conte dystopique qui emprunte sa puissance au mythe.

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