Issu de l’École du Théâtre National de Strasbourg, Romain Gneouchev signe une mise en scène reposant sur la simplicité du dispositif scénique et les vertiges de la narration. Ysanis Padonou est seule en scène, dans un espace parsemé de quelques objets disposés sur un sol en lino blanc. Un patin à roulettes, une rose immortelle, des statuettes camerounaises, des balles de tennis, une peluche et une boîte en porcelaine que sa mère lui a léguée sont autant de fragments d’une mémoire que nous voyons se décomposer et se recomposer au fil du spectacle. Ce surgissement du réel répond au besoin de la jeune femme de briser le tabou sur la maladie qui a toujours prévalu dans sa famille. Il donne également lieu à des révélations bouleversantes.

Munie d’une oreillette dans laquelle son texte peut lui être soufflé en cas de trou de mémoire, la comédienne nous convie à la suivre dans un vertigineux labyrinthe fait de souvenirs et de miroirs déformants. Dans cette mise à nu qui relève de l’autofiction viennent s’enchevêtrer vécu intime et constellation familiale, doutes, lucidité et quotidien sur les planches. Refusant le dolorisme, Une chose vraie s’intéresse moins à la pathologie qu’à ses conséquences sur la vie. Le spectacle scrute le deuil, la transmission et le déni mais, plus que tout, laisse toute sa place à l’amitié et à la joie de vivre : une joie complexe et pourtant lumineuse.

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Pourquoi refuse-t-on aux gens de choisir l’heure et la manière de mourir ? L’autrice et metteuse en scène Héloïse Janjaud, formée au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique, fait de cette question brûlante d’actualité le moteur de cette première création. Au cours d’une enquête préparatoire, elle rencontre Flore, ancienne psychologue, décidée à partir tant qu’elle se sent en pleine possession de ses moyens. Flore devient à la fois le fil rouge de la pièce et son personnage principal, entouré par des créatures de fiction nourries par d’autres rencontres et témoignages.

En situant l’action sur le plateau de cette émission étrange, Héloïse Janjaud joue du trouble entre théâtre documentaire et fiction burlesque. Cet espace est en effet un lieu de parole et de débat mais les codes des talk-shows et les mécanismes de la télé-réalité génèrent aussi des situations absurdes, voire grotesques. Cette tension tragi-comique fait passer le public du rire aux larmes et ouvre la réflexion sur une question aussi universelle que délicate pour les personnes qui veulent décider de leur mort comme pour ceux et celles qui les accompagnent.

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Après un triptyque consacré aux amnésies coloniales, dont Et le cœur fume encore et 1983 furent présentés au TGP, Margaux Eskenazi se lance dans une nouvelle recherche autour de l’œuvre d’Imre Kertész (1929-2016). Survivant des camps de concentration d’Auschwitz, de Buchenwald et de Zeitz, Imre Kertész a consacré le reste de sa vie à la littérature. Il est notamment connu pour son roman Être sans destin, qui fait le récit de son expérience concentrationnaire.

Mais l’ensemble de son œuvre constitue un immense travail pour comprendre la spécificité de cette expérience et de ses conséquences, tant à l’échelle intime que pour l’ensemble de la civilisation occidentale. Cette œuvre est également une réflexion sur la littérature et sur le pouvoir du roman. C’est en 2002 seulement qu’Imre Kertész accède à une reconnaissance internationale, dépassant largement les bornes de sa Hongrie natale, lorsqu’il reçoit le prix Nobel de littérature.

Le spectacle, dans un dialogue constant avec cette œuvre littéraire majeure du XX^e siècle, adresse au temps présent une réflexion sur le racisme, l’antisémitisme et le totalitarisme. Des fantômes, errant entre deux mondes, nous invitent ainsi à questionner nos identités multiples et complexes.

Kaddish naît d’une écriture de plateau très vivante mêlant récits, témoignages, œuvres littéraires et écriture musicale portée sur scène par le compositeur et musicien Malik Soarès. Alliant l’intime et le politique, la poésie et l’humour, le théâtre de Margaux Eskenazi et son équipe poursuit son exploration délicate des blessures mémorielles, pour mieux espérer collectivement en l’avenir.

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Julien Villa adapte au théâtre son propre roman. Sur scène, dans un dispositif de studio de radio, il se fait conteur. Accompagné par deux interprètes, il fait jaillir et vivre tous les personnages mythiques d’un même quartier. À leurs côtés, le musicien Tristan Ikor conçoit en direct une bande-son hip-hop qui invite au voyage. Le pouvoir du récit et de la musique crée la magie de cet univers de quartier réinventé, sa fantaisie et sa poésie. Aux antipodes du documentaire et du misérabilisme, les mésaventures de Julo et des autres habitants de la cité deviennent épiques. Par l’humour et des incursions dans le fantastique, ce récit musical donne une puissante étrangeté à la laideur et la banalité.

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L’histoire rassemble une préado, ses parents et le grand-père atteint d’une maladie dégénérative. Immobilisé sur son fauteuil, Papy raconte des histoires abracadabrantes et se prend pour Don Quichotte ! Le matin, il veut qu’on lui ramène sa monture et qu’on l’aide à passer son armure. Parfois, en plein milieu du repas, Papy Quichotte veut faire un tournoi. Alors Papa Lancelot prend les armes et défie le vieil homme. Maman, quant à elle, invente des attaques de brigands pour que Papy puisse la défendre. Ainsi, contrairement aux filles du Roi Lear, les enfants de Papy ont décidé qu’ils ne se débarrasseront pas du vieil homme : ils ne le placeront pas en EHPAD, mais prendront soin de lui, en lui faisant vivre au quotidien l’histoire héroïque dont il rêve. Mais pour la jeune fille, qui cherche à saisir la vérité du monde, comment comprendre cette folie apparente ?

Papy Quichotte est une histoire de transmission : la jeune fille découvre une philosophie créative de la vie qui accueille la vulnérabilité avec respect et assume notre besoin de fictions quel que soit notre âge.

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Roser Montlló Guberna et Brigitte Seth sont « autrices de spectacles », à la fois metteuses en scène, chorégraphes, dramaturges et interprètes. Elles ont proposé à MarDi d’écrire une pièce librement inspirée de la tragi-comédie antique. Sur scène, neuf interprètes jouent indifféremment les hommes, les femmes, les enfants, le chœur et les figures singulières de cette histoire pour tenter de comprendre les mécanismes qui mènent à la guerre.

Dans un espace ravagé, la troupe jongle avec les langues, le chant et la danse. Trois mondes juxtaposés cohabitent, et parfois même dialoguent. D’un côté, les vivants, affairés et affolés, se débattent, se battent, s’adressent aux morts et à plus grand qu’eux : Dieu, des divinités, des forces invisibles ? De l’autre, les morts parlent aux vivants pour leur intimer de se soucier du présent, les réconforter, les rabrouer. Et pendant ce temps, les immortelles observent et se demandent bien pourquoi les hommes et les femmes mettent tant d’ardeur à se détruire, alors que tous et toutes ne sont que de passage sur terre et pour si peu de temps !

Sur le ton de la farce, il s’agit avant tout de réveiller l’espoir d’enrayer l’engrenage infernal de la barbarie.

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Inspirée de faits réels et documentés, la pièce est néanmoins une fiction, un véritable thriller magistralement construit, qui nous tient en haleine jusqu’à la fin. Elle confronte deux grands personnages féminins, deux femmes puissantes cernées par des conseillers masculins, qui les renvoient sans cesse aux attendus supposés de leur féminité. La pièce installe entre ces deux femmes qui, dans la vraie vie, ne se sont jamais rencontrées, une relation faite de rapports de force politiques et religieux, de rivalité personnelle mais aussi de curiosité l’une pour l’autre et de sentiments ambivalents.

Pour nous plonger au cœur du pouvoir, de ses difficultés et de ses noirceurs, la mise en scène de Chloé Dabert situe l’action dans un espace contemporain, une cage protéiforme évoquant la prison de Marie, où les costumes prennent en charge la dimension historique.

Dans cette pièce qui évite tout manichéisme, se côtoient le concret et la poésie, le drame romantique, la politique, ainsi qu’une réflexion plus philosophique sur l’individu et sa liberté face au destin, au fanatisme religieux et à la raison d’État.

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Léontes, roi de Sicile, et Polixènes, roi de Bohême, ont grandi comme deux frères. Mais alors que Polixènes lui rend visite en Sicile, Léontes devient fou de jalousie et soupçonne son épouse Hermione d’avoir une relation adultère avec son ami et de porter son enfant. Léontes fait enfermer la reine et réclame un procès public pour la traduire en justice. En prison, elle accouche de la petite Perdita. Sur ordre du roi, la nouveau-née est abandonnée sur une terre inconnue, « quelque part où le hasard s’occupera d’elle ou l’achèvera »…

Ce voyage, entre un pays austère dirigé par un roi délirant et meurtrier et une terre chaleureuse et fantasque, met en jeu notre rapport à la violence, à la rédemption et aux infinis possibles de l’imagination.

S’appuyant sur la traduction de Bernard- Marie Koltès, aussi directe que musicale, l’équipe rapproche cette fable de notre temps présent. Cette histoire de jalousie dévorante et monstrueuse, qui porte en son cœur un féminicide, nous renvoie à la survie des schémas patriarcaux, à l’inconscient masculin hérité de siècles de domination. Pour explorer la frontière entre conscience et déraison, rêve et cauchemar, vrai et faux, la jeune équipe recherche l’épure du jeu et la vivacité du dialogue entre le public et les interprètes.

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Pratique de la ceinture, Ô ventre est la première pièce de Vanessa Amaral, comédienne et metteuse en scène. Inspirée de ses expériences de fille et sœur afro-descendante, et de son admiration pour les métiers de la santé, souvent exercés par des femmes racisées, invisibilisées et mal payées, la pièce fait du ventre un prisme d’observation de notre rapport au corps, à ses tabous et ses troubles. Tour à tour origine du monde, poubelle alimentaire ou lit du désir, le ventre est une cible pour toutes les injonctions sociales et sexuées.

Depuis l’annonce du diagnostic jusqu’à l’espoir d’une rémission, le texte fait alterner voix intime de l’héroïne et situations concrètes auxquelles elle est confrontée, souvenirs d’enfance et étapes de son parcours de combattante. Le désarroi flirte constamment avec l’humour devant l’absurdité de certaines expériences. Jouant avec la temporalité et les flash-back, la pièce se déploie dans une scénographie mobile qui assure la fluidité du voyage au cœur de l’expérience de la maladie.

Avec quatre comédiens et comédiennes, Vanessa Amaral donne vie à une galerie de personnages dont elle explore la vulnérabilité commune et la possible solidarité. La mise en mouvement des corps, jusqu’à la danse comme exutoire, leur permet peu à peu de se sentir reliés et de sublimer les épreuves et la peur. Ainsi le spectacle dessine-t-il un parcours initiatique, un chemin vers l’émancipation où l’élan vital l’emporte sur les maux.

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Gaëlle Hermant et sa co-autrice Olivia Barron nous plongent dans cet espace de confession où se brassent tous les sujets, entre rires et larmes : amour, travail, liens familiaux, rêves et solitude. Le salon de voyance de Maria est un microcosme où résonnent angoisses archaïques et maux du temps.

Inspiré d’une vraie rencontre, le spectacle invente une fiction qui mêle le témoignage intime de Maria à la parole de trois personnages venant la consulter. La musique, créée et portée au plateau par la compositrice multi-instrumentiste Viviane Hélary, accompagne chaque mouvement et offre des temps de respiration et d’exutoire.

Souvent considérée comme relevant du charlatanisme, la voyance est pourtant l’un des plus vieux métiers du monde. En temps de crise, il connaît des pics d’activité. Le besoin de connaître l’avenir est-il l’écho d’une société dans l’impasse ? Ou interroge-t-il sur un contexte plus global de crise et de souffrance du lien social ? Quel que soit notre degré de croyance, ces paroles délivrées sur scène permettent peut-être d’aider à réparer les vivants.

Ce texte est inspiré d’entretiens réalisés avec la cartomancienne Maria Vassalli.

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