Pour écrire Ces filles qu’on attend, Claudine Galea, accompagnée des trois interprètes du spectacle, a rencontré des jeunes filles de Saint-Denis en train de grandir.

Elle a recueilli leurs mots – parfois rares, parfois rugueux – pour en faire un texte dans lequel elle trace, à toute allure, trois histoires héroïques d’adolescentes. Elle les écoute marcher dans les rues au temps présent et les encourage à foncer droit vers leur avenir. Elsa Granat met en scène ces trois chemins de vie et poursuit sa recherche sur la place de l’enfant dans nos sociétés, le dernier maillon du vulnérable.

Ce spectacle, entamé il y a trois ans à l’initiative de Julie Deliquet, dans le cadre du festival L’Équipé·e, s’est poursuivi grâce au travail de terrain qu’ont mené les interprètes et l’autrice. Cette saison, une metteuse en scène s’en empare pour le mener à son terme, démontrant ainsi que le théâtre peut aujourd’hui être créé collaborativement à partir du réel. Une chaîne ludique comme un cadavre exquis, pour raconter l’histoire des vivantes exquises.

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Une fête se prépare. Il faut décider d’un thème, cuisiner, créer un décor, trouver des costumes, écrire un texte. Autant de rendez-vous qui ponctuent les deux derniers jours de ce microcosme.

Avec son équipe, Elsa Revcolevschi invente une forme à la hauteur de la communauté menacée, qui fait de sa forteresse une utopie. Loin d’un théâtre documentaire, le spectacle donne à voir des scènes de vie mêlant rêve et réalité, poésie et paroles du quotidien pour en faire un théâtre d’art puissant.

La force du spectacle réside dans sa capacité à célébrer la joie de vivre et du collectif tout en questionnant celle de nos politiques de santé publique à accueillir les malades.

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Tala travaille pour l’Unesco et vient d’obtenir une mutation en France. En franchissant les portes du collège, Nour découvre que les humains sont divisés en deux équipes, les « filles » et les « garçons ». Nour a du mal à s’adapter et déclenche le rire des autres sans comprendre pourquoi. Heureusement, Nour peut parler à son ami imaginaire, un scarabée, et rencontre Eli, que tout le monde s’obstine à appeler Eliott : les deux enfants se lient d’une profonde amitié à l’abri de laquelle on peut se confier ses secrets.

Écrit en immersion dans deux collèges à Saint-Denis, ce texte de Leïla Anis propose une satire de nos catégorisations de sexe et de genre. Réactivant le principe littéraire du regard étranger qui permet la critique de nos habitudes et des normes en place, cette fable malicieuse s’appuie sur des recherches en linguistique qui visent à déconstruire la règle selon laquelle le masculin l’emporterait sur le féminin !

La mise en scène de Julie Bertin et Jade Herbulot adopte le point de vue de Nour : elle travaille sur l’étrangeté de ce monde, un espace loin du réalisme rappelant des jeux d’enfants géants. Histoire de s’amuser avec le décalage, le décentrement du regard à l’œuvre dans la pièce, et de provoquer aussi une forme d’émerveillement.

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Économie de la parole, théâtre d’images, costumes improvisés ou objets d’une grande beauté : la scène se transforme en un espace foisonnant où se mêlent rites médiévaux et culture pop. S’appuyant sur les traditions réelles ou fantasmées, les folklores et l’histoire de l’art, Mystères fait se rencontrer Bacchus, Mickey, un géant de carnaval et même une farandole de squelettes afin d’interroger, avec humour et malice, notre rapport au sacré.

Jouant avec les codes du carnaval, Mystères est une cérémonie païenne à la fois contemporaine et ancestrale, à la frontière du clown, de la performance et du théâtre pour célébrer le renouveau.

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Un trouble ? La jeune fille au pair observe la scène de loin et prête à Vincent un désir pervers. Elle se confie aux parents. Les doutes et la peur mènent à un procès, puis à un non-lieu. Vincent part s’installer à Rome.

Vingt-cinq ans plus tard, Raphaël est devenu un peintre reconnu, travaillant autour du motif de l’eau et de la submersion. Une exposition remet les deux hommes face à face. Pendant trois jours, alors qu’aucun des deux n’a jamais connu d’hommes, ils font l’amour. C’est cette histoire que Vincent a confiée à sa psychanalyste Anne Dufourmantelle, qui en a fait un chapitre dans son livre En cas d’amour.

Sur scène, la psychanalyste et la juge qui fut en charge du procès reconvoquent les faits et nous obligent à confronter nos propres jugements. Le récit nous laisse ainsi face à des questions irrésolues, vivantes, et à des vertiges. Habité par des cloisons tantôt transparentes, tantôt opaques, à la fois frontières, filtres et supports de projection, l’espace fait coexister le présent et le passé, le visible et l’invisible. Toutes ces années après, que fait Raphaël auprès de Vincent : se réapproprie-t-il son histoire ? S’en libère-t-il ? Adepte d’un théâtre d’acteurs au service de héros et de sentiments dignes de la mythologie grecque, Noëmie Ksicova nous embarque dans un monde où les personnages sont captifs de passions puissantes qui les dépassent.

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Lisa et son mari Quenu mènent une existence paisible avec leur fille Pauline, au cœur de leur charcuterie florissante dans les Halles centrales de Paris. Mais tout bascule avec le retour inattendu de Florent, le frère de Quenu, après huit ans passés au bagne pour s’être soi-disant insurgé le 4 décembre 1851 contre le coup d’État de Napoléon III.

Émile Zola interroge la conscience de celles et ceux qui, dans leur confort, choisissent d’ignorer la souffrance des autres. Pour nourrir cette conversation entre deux époques, Anne Barbot puise dans ses propres questionnements en tant que femme, mère, citoyenne et artiste. Le Ventre de Paris, c’est la biographie d’un rêveur, traumatisé par la mort d’une inconnue et par le bagne, révolté par les injustices, qui se heurte au réel.

Et c’est le parcours d’une femme, Lisa, qui vit dans la crainte de retomber dans la pauvreté de son enfance et s’efforce de préserver ses acquis. Le tout sous le regard de Claude, l’artiste qui observe. Avec Agathe Peyrard, Anne Barbot signe une adaptation organisée en épisodes centrés sur les points de vue des héros. Cette dramaturgie mêle le quotidien des personnages à leurs illusions et leurs hantises. Elle crée un jeu constant entre la réalité brute et l’évasion psychique. La scénographie nous entraîne dans un voyage entre ordre et chaos où se heurtent aspiration au changement et désir de sécurité, soif d’action et immobilisme.

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En évoquant ainsi le mythe de Dionysos ou l’histoire de François Le Lionnais, qui survécut à l’enfer d’un camp de concentration en faisant ressurgir de sa mémoire des peintures vues au Louvre, le spectacle célèbre la puissance de l’esprit, de l’humanisme et de l’amitié.

Avec sa belle équipe d’interprètes et de musiciens, Jeanne Candel donne vie aux mouvements d’âme d’une petite salle des fêtes en naviguant entre mirage et technique à vue. Se poursuit ainsi un travail entamé avec Baùbo et Fusées : le groupe s’amuse à faire apparaître des événements tout en nous montrant les ficelles. L’interaction entre le jeu et la musique est centrale. Sous la direction musicale de Thibault Perriard s’inventent des instruments composites qui tirent leur inspiration de références très variées. CAPRA (une chèvre) répond à l’envie de faire du théâtre à partir de ses rouages les plus élémentaires, manipulés par des artistes virtuoses, pour faire naître des émotions puissantes. Dans cette histoire, à la fois sombre et lumineuse, se déploie la force de l’imagination qui permet à l’âme humaine, dans les pires moments de barbarie, de trouver les ressources nécessaires pour survivre.

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