Ekla ! est le fruit de la rencontre de trois disciplines. Éric Singelin, concepteur de livres animés pour enfants, a créé un livre pop-up géant qui sert de décor et de surface de projection aux images de Nikodio, créateur vidéo. Rappelant les jouets optiques et la figure du Tangram, les pages du livre deviennent des sculptures en mouvement. De part et d’autre du dispositif graphique et lumineux, les deux musiciens du groupe électro Turnsteak créent en direct une bande-son cinématographique qui évolue au fil du dessin. Mi-écrit, mi-improvisé, le concert se fabrique à partir de sons préenregistrés ou captés sur scène. Quelques accessoires et éléments de costumes intègrent les deux complices au décor et à la traversée : Ekla s’écrase sur une planète inconnue, y égare ses pierres lumineuses et part à leur recherche. Avant de rejoindre l’infinie galaxie, elle va découvrir les secrets d’un monde inconnu.

Chaque page invite à l’écoute et à la contemplation. Jeux de lumière et de couleurs et trouvailles graphiques font virevolter la terre, la mer, des créatures étranges et le ciel étoilé. Ekla ! dessine un voyage visuel et musical chatoyant.

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Une multitude de petites histoires trépidantes émaillent cette transformation méthodique de la nature. Au fil des tableaux, animaux, humains et créatures fantastiques se croisent et révèlent l’extraordinaire foisonnement du monde vivant. Entre réalisme et fantasmagorie, ce témoignage poétique sur l’état et l’avenir du monde nous invite à inventer la suite.

La Soupe Compagnie poursuit avec Et puis son travail d’adaptation pour la scène d’albums illustrés. Destiné aux tout-petits, le spectacle cherche à partager avec eux, sans brusquerie, des questions sur l’avenir de la planète. Croisant théâtre d’ombre, marionnettes et projections vidéo, le spectacle évolue dans une scénographie en mouvement constant, qui stimule l’attention et la curiosité des enfants. 

Dans ce décor d’opéra magique, la musique imprègne chaque événement et accompagne les métamorphoses du paysage, tantôt symphonique, tantôt rythmique. Et puis déploie une poétique visuelle et sonore pour observer notre rapport au monde vivant, notre insatiable volonté de l’exploiter mais aussi notre besoin de l’aimer et de l’admirer dans sa fragilité et sa beauté.

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Les complices du Vélo Théâtre inventent depuis plus de vingt-cinq ans un langage expressif qui s’appuie sur la manipulation d’objets pour mettre en branle les rouages de notre imaginaire. Ils aiment à s’appeler des contrebandiers d’histoires. Ainsi, Et il me mangea restitue par bribes des atmosphères liées aux vieux contes populaires qu’il dépoussière. Une clé, une galette, des bottes de sept lieues ou un couteau nous ouvrent les portes d’histoires que l’on croit reconnaître mais qui se mélangent de façon très ludique. Nous sommes invités à une balade dans un univers saisissant de sons et de lumières, à la fois familier et étrange. Inspirée par l’héritage croisé de Charles Perrault et Lewis Carroll, la mise en scène de Francesca Bettini combine théâtre d’ombres, papiers déchirés et accessoires miniatures pour créer un livre d’images, décalé et rempli d’émotions fortes. Et il me mangea rend savoureuse, poétique et drôle l’idée que les contes sont des peurs d’enfant qui s’accomplissent !

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Dans ce texte du dramaturge anglais Mike Kenny, l’un des auteurs contemporains les plus réputés du théâtre jeune public, on reconnaît derrière le personnage de la vieille dame le fantôme de l’irrévérencieuse Louise Bourgeois, artiste touche-à-tout, qui a beaucoup interrogé la place des femmes dans la société et œuvré pour leur émancipation. Convoquant des souvenirs d’enfance, à l’écoute de ses blessures, et de la réparation que l’art y a apportée, Louise partage avec Julie sa vulnérabilité et sa soif de liberté. La petite fille, dont la maman est partie, confie peu à peu à Louise son chagrin.

Simon Delattre propose à trois comédiens-marionnettistes le soin de faire vivre cette rencontre hors norme entre deux solitudes qui vont s’apprivoiser et se réconforter. La manipulation des marionnettes, jolie métaphore de nos interdépendances, introduit distance et poésie dans cette savoureuse histoire d’amitié, d’empathie et de liens précieux entre générations. Une fable sur la transmission destinée aux enfants de huit à cent ans…

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À la recherche de Pablo est un spectacle – performance qui mêle théâtre, musique et art visuel. Ce spectacle, qui suscite la curiosité des petits et des grands, retrace l’odyssée de la vie. Histoires croisées et en simultané d’embryons et de créations artistiques… Que se passe-t-il quand un foetus dialogue avec une œuvre d’art ?

À la recherche de Pablo est un voyage sensitif, pictural, musical, théâtral, absurde parfois mais toujours joyeux, en hommage à tous les génies créatifs.

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Debout Basile ! Pour ce tout petit garçon, la journée est pleine d’événements : se lever, prendre le chemin de l’école, écrire l’alphabet… Heureusement, son père est là, pour l’aider à affronter cette grande aventure qu’est la vie de tous les jours.

Attentive à créer un nouveau théâtre de marionnettes, la compagnie A Kan la Dériv’ nous emporte avec Jeu dans une formidable leçon d’acceptation des différences. À travers une journée découpée en huit saynètes, Basile essaie de trouver sa voie entre les contraintes de la vie quotidienne et son imagination fertile, qui a vite fait de l’emmener ailleurs…

Un masque sans expression suspendu dans le vide, les mains gantées de blanc des marionnettistes habillés de noir mais à visage découvert, ce spectacle ne cache rien de la manipulation, et parvient dans le même mouvement à nous émerveiller. Dans Jeu, Basile peut être un petit individu au corps figuré par une main, un cartable devenir en deux secondes le corps d’un chien ou le père de notre petit garçon tenir droit, grâce à une cravate – qui peut se transformer en épée ! Les objets du quotidien sont ici déviés de leur fonction et permettent à l’enfant de les transformer en outils de communication au sein d’un monde si difficile à comprendre quand on est petit.

Ce spectacle de marionnettes étonne également par l’originalité de son décor : un castelet réinventé, fonctionnant à partir de cubes symétriques recouverts de dessins, tel un jeu grandeur nature. Dans cette scénographie sans cesse en mouvement, tout se défait ou se recompose pour représenter un lit, un immeuble, des tables de classe. Ces cubes participent à l’espace réel comme mental du petit Basile dans une histoire contée avec peu de mots qui révèle, entre imaginaire et réalité, l’importance de l’écoute et du soutien.

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Le bain est une pièce pour petits et grands, qui plonge dans l’histoire de l’art en s’appuyant sur deux tableaux du XVI^e siècle : Diane au bain de l’École de Fontainebleau d’après François Clouet, accroché au musée des Beaux-Arts de Tours ; et Suzanne au bain peint par Le Tintoret et visible au musée du Louvre-Lens.

Gaëlle Bourges a décidé de recréer les deux fameuses scènes de bain à l’aide de poupées et d’accessoires miniatures, tandis qu’une voix off décrit, dans une langue claire et riche de sens, les tableaux et les mythologies qu’elles incarnent. La narration reprend d’abord un épisode tiré des Métamorphoses d’Ovide, celui de Diane chasseresse se baignant nue et qui, surprise par le chasseur Actéon, le transforme en cerf. Puis un autre récit – issu de l’Ancien Testament – dépeint une Suzanne épiée, alors qu’elle fait sa toilette, par deux vieillards qui seront finalement punis pour leur indiscrétion.
Sur fond de récits anciens et de petits détours, Le bain offre aux enfants, ainsi qu’à leurs parents, une expérience sensible et inventive sur la réprésentation des corps dans la peinture. En plongeant dans deux tableaux mettant en scène le rapport entre regardé et regardeur, le spectacle souligne avec humour l’abondance de modèles féminins posant devant des peintres majoritairement masculins, et le manque d’expression diversifiée de la beauté dans la peinture européenne. Trois performeuses manipulent figurines et divers objets, dans un univers onirique et poétique mêlant danse, chants et récits. Elles donnent à voir les tableaux, à entendre les histoires qui les fondent et, chemin faisant, ouvrent et nourrissent le goût des enfants – et de leurs parents – pour la peinture.

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