À travers des ateliers de théâtre et d’écriture, elle fait émerger les voix de celles et ceux souvent confrontés aux stéréotypes et à la précarité du monde du soin. Pensée comme un oratorio contemporain, cette nouvelle création mettra en lumière leurs récits et leurs réalités, portés par un choeur sensible et engagé.

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Issu de l’École du Théâtre National de Strasbourg, Romain Gneouchev signe une mise en scène reposant sur la simplicité du dispositif scénique et les vertiges de la narration. Ysanis Padonou est seule en scène, dans un espace parsemé de quelques objets disposés sur un sol en lino blanc. Un patin à roulettes, une rose immortelle, des statuettes camerounaises, des balles de tennis, une peluche et une boîte en porcelaine que sa mère lui a léguée sont autant de fragments d’une mémoire que nous voyons se décomposer et se recomposer au fil du spectacle. Ce surgissement du réel répond au besoin de la jeune femme de briser le tabou sur la maladie qui a toujours prévalu dans sa famille. Il donne également lieu à des révélations bouleversantes.

Munie d’une oreillette dans laquelle son texte peut lui être soufflé en cas de trou de mémoire, la comédienne nous convie à la suivre dans un vertigineux labyrinthe fait de souvenirs et de miroirs déformants. Dans cette mise à nu qui relève de l’autofiction viennent s’enchevêtrer vécu intime et constellation familiale, doutes, lucidité et quotidien sur les planches. Refusant le dolorisme, Une chose vraie s’intéresse moins à la pathologie qu’à ses conséquences sur la vie. Le spectacle scrute le deuil, la transmission et le déni mais, plus que tout, laisse toute sa place à l’amitié et à la joie de vivre : une joie complexe et pourtant lumineuse.

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Pourquoi refuse-t-on aux gens de choisir l’heure et la manière de mourir ? L’autrice et metteuse en scène Héloïse Janjaud, formée au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique, fait de cette question brûlante d’actualité le moteur de cette première création. Au cours d’une enquête préparatoire, elle rencontre Flore, ancienne psychologue, décidée à partir tant qu’elle se sent en pleine possession de ses moyens. Flore devient à la fois le fil rouge de la pièce et son personnage principal, entouré par des créatures de fiction nourries par d’autres rencontres et témoignages.

En situant l’action sur le plateau de cette émission étrange, Héloïse Janjaud joue du trouble entre théâtre documentaire et fiction burlesque. Cet espace est en effet un lieu de parole et de débat mais les codes des talk-shows et les mécanismes de la télé-réalité génèrent aussi des situations absurdes, voire grotesques. Cette tension tragi-comique fait passer le public du rire aux larmes et ouvre la réflexion sur une question aussi universelle que délicate pour les personnes qui veulent décider de leur mort comme pour ceux et celles qui les accompagnent.

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Après un triptyque consacré aux amnésies coloniales, dont Et le cœur fume encore et 1983 furent présentés au TGP, Margaux Eskenazi se lance dans une nouvelle recherche autour de l’œuvre d’Imre Kertész (1929-2016). Survivant des camps de concentration d’Auschwitz, de Buchenwald et de Zeitz, Imre Kertész a consacré le reste de sa vie à la littérature. Il est notamment connu pour son roman Être sans destin, qui fait le récit de son expérience concentrationnaire.

Mais l’ensemble de son œuvre constitue un immense travail pour comprendre la spécificité de cette expérience et de ses conséquences, tant à l’échelle intime que pour l’ensemble de la civilisation occidentale. Cette œuvre est également une réflexion sur la littérature et sur le pouvoir du roman. C’est en 2002 seulement qu’Imre Kertész accède à une reconnaissance internationale, dépassant largement les bornes de sa Hongrie natale, lorsqu’il reçoit le prix Nobel de littérature.

Le spectacle, dans un dialogue constant avec cette œuvre littéraire majeure du XX^e siècle, adresse au temps présent une réflexion sur le racisme, l’antisémitisme et le totalitarisme. Des fantômes, errant entre deux mondes, nous invitent ainsi à questionner nos identités multiples et complexes.

Kaddish naît d’une écriture de plateau très vivante mêlant récits, témoignages, œuvres littéraires et écriture musicale portée sur scène par le compositeur et musicien Malik Soarès. Alliant l’intime et le politique, la poésie et l’humour, le théâtre de Margaux Eskenazi et son équipe poursuit son exploration délicate des blessures mémorielles, pour mieux espérer collectivement en l’avenir.

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Julien Villa adapte au théâtre son propre roman. Sur scène, dans un dispositif de studio de radio, il se fait conteur. Accompagné par deux interprètes, il fait jaillir et vivre tous les personnages mythiques d’un même quartier. À leurs côtés, le musicien Tristan Ikor conçoit en direct une bande-son hip-hop qui invite au voyage. Le pouvoir du récit et de la musique crée la magie de cet univers de quartier réinventé, sa fantaisie et sa poésie. Aux antipodes du documentaire et du misérabilisme, les mésaventures de Julo et des autres habitants de la cité deviennent épiques. Par l’humour et des incursions dans le fantastique, ce récit musical donne une puissante étrangeté à la laideur et la banalité.

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L’histoire rassemble une préado, ses parents et le grand-père atteint d’une maladie dégénérative. Immobilisé sur son fauteuil, Papy raconte des histoires abracadabrantes et se prend pour Don Quichotte ! Le matin, il veut qu’on lui ramène sa monture et qu’on l’aide à passer son armure. Parfois, en plein milieu du repas, Papy Quichotte veut faire un tournoi. Alors Papa Lancelot prend les armes et défie le vieil homme. Maman, quant à elle, invente des attaques de brigands pour que Papy puisse la défendre. Ainsi, contrairement aux filles du Roi Lear, les enfants de Papy ont décidé qu’ils ne se débarrasseront pas du vieil homme : ils ne le placeront pas en EHPAD, mais prendront soin de lui, en lui faisant vivre au quotidien l’histoire héroïque dont il rêve. Mais pour la jeune fille, qui cherche à saisir la vérité du monde, comment comprendre cette folie apparente ?

Papy Quichotte est une histoire de transmission : la jeune fille découvre une philosophie créative de la vie qui accueille la vulnérabilité avec respect et assume notre besoin de fictions quel que soit notre âge.

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Roser Montlló Guberna et Brigitte Seth sont « autrices de spectacles », à la fois metteuses en scène, chorégraphes, dramaturges et interprètes. Elles ont proposé à MarDi d’écrire une pièce librement inspirée de la tragi-comédie antique. Sur scène, neuf interprètes jouent indifféremment les hommes, les femmes, les enfants, le chœur et les figures singulières de cette histoire pour tenter de comprendre les mécanismes qui mènent à la guerre.

Dans un espace ravagé, la troupe jongle avec les langues, le chant et la danse. Trois mondes juxtaposés cohabitent, et parfois même dialoguent. D’un côté, les vivants, affairés et affolés, se débattent, se battent, s’adressent aux morts et à plus grand qu’eux : Dieu, des divinités, des forces invisibles ? De l’autre, les morts parlent aux vivants pour leur intimer de se soucier du présent, les réconforter, les rabrouer. Et pendant ce temps, les immortelles observent et se demandent bien pourquoi les hommes et les femmes mettent tant d’ardeur à se détruire, alors que tous et toutes ne sont que de passage sur terre et pour si peu de temps !

Sur le ton de la farce, il s’agit avant tout de réveiller l’espoir d’enrayer l’engrenage infernal de la barbarie.

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L’auteur et metteur en scène Gérard Watkins signe une comédie dramatique et politique aussi percutante que savoureuse. L’action se déroule dans un espace sculpté par la lumière qui suggère à la fois l’intérieur de la maison et le jardin, agencé autour de la table-arbre. Inversant le rapport qui lie l’ethnologue occidental à son terrain d’étude, il fait du Mbuti l’ethnologue et du couple de bourgeois les sujets à étudier : pollueurs, égoïstes, conscients et inconscients d’une forêt lointaine. Darius Wengue, lui, sait le drame de la déforestation. Il sait aussi que les conflits armés qui perdurent dans son pays sont liés à ses richesses minières, indispensables à la fabrication de nos téléphones portables.

En posant de simples questions à ses hôtes sur leurs coutumes et leurs croyances, cet homme blessé devient le sismographe de ce que nous, Occidentaux, sommes devenus. Il tend un miroir à nos contradictions et à nos compromis devant le réchauffement climatique et la destruction du vivant ainsi qu’aux difficultés que nous avons à nous défaire de nos réflexes colonisateurs. À travers cette rencontre improbable, la fable tragi-comique de Gérard Watkins libère la parole et secoue les consciences : pourra-t-on un jour réparer ce qu’on a détruit ?

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Ainsi, pour Aurore Fattier, le motif de la tromperie n’est en réalité chez Feydeau qu’un prétexte pour explorer le monde souterrain de la nuit, qu’il a lui-même arpenté toute sa vie. Contemporain de Charcot et de Freud, Feydeau met en scène des situations fantasmatiques et cauchemardesques. Ses personnages semblent être mus par une force libidinale intarissable qui révèle nos failles, nos pulsions, notre bêtise. Et nous fait rire.

Le spectacle met en jeu ce rire et le questionne. Comment faire entendre l’amoralisme de l’œuvre de Feydeau à l’heure de #MeToo ? Déclenchement de catastrophes en chaîne, malentendus, pires travers humains révélés : la mécanique implacable des désirs produit un face-à-face cruel entre les acteurs, mis à nu, et le public. Cette troupe foisonnante et éclectique de dix interprètes, à la virtuosité et à la fantaisie sans limites, rassemble acteurs et actrices sachant chanter, se travestir, et assumer la nudité, la vérité et la liberté des corps. Ce Dindon brouille ainsi les représentations des hommes et des femmes, souvent caricaturales chez cet auteur.

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24 Place Beaumarchais est le fruit de sa collaboration avec l’autrice Adèle Gascuel et la metteuse en scène Catherine Hargreaves. Ensemble, ils ont à cœur de raconter la richesse et la complexité de son parcours, celui d’un jeune homme arabe et musulman de France qui devient acteur. Sa trajectoire évoque autant la difficulté à s’imaginer un avenir quand on grandit dans un territoire oublié de la République que l’improbable rencontre avec le théâtre et un milieu où le jeune homme ne se sent pas toujours à sa place. C’est aussi l’occasion de parler d’amour, de foi, d’entraide et de fierté, avec l’envie de rassembler au théâtre des gens qui n’ont pas l’habitude d’y aller, de leur donner l’espoir de croire en eux, et en nous tous.

La pièce est nourrie des multiples langues de Brahim Koutari, de celle du stand-up et son irrévérence à celles de Molière et de Shakespeare, en passant par le rap, la langue marocaine de sa famille restée au pays ou l’arabe coranique de sa foi musulmane. Toutes ces voix racontent la pluralité des sources qui le constituent, loin des clichés sur la banlieue ou sur une success story.

Dans un espace où le comédien fabrique tout à vue, et qui évoque une multiplicité de lieux, le trio – autrice, metteuse en scène et interprète – se retrouve sur une terre commune, celle du théâtre, de sa magie et de la passion du jeu.

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