Pour porter ces témoignages sur scène, Julie Deliquet et sa troupe de comédiennes, âgées de 30 à 70 ans, recomposent une histoire à partir de neuf de ces voix et donnent vie à ces mémoires de guerre et de jeunesse, entre horreur des faits de guerre, traumatismes et puissante envie de vivre.
Cette fresque humaine et engagée est dédiée à toutes les femmes, de toutes les guerres.

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Tala travaille pour l’Unesco et vient d’obtenir une mutation en France. En franchissant les portes du collège, Nour découvre que les humains sont divisés en deux équipes, les « filles » et les « garçons ». Nour a du mal à s’adapter et déclenche le rire des autres sans comprendre pourquoi. Heureusement, Nour peut parler à son ami imaginaire, un scarabée, et rencontre Eli, que tout le monde s’obstine à appeler Eliott : les deux enfants se lient d’une profonde amitié à l’abri de laquelle on peut se confier ses secrets.

Écrit en immersion dans deux collèges à Saint-Denis, ce texte de Leïla Anis propose une satire de nos catégorisations de sexe et de genre. Réactivant le principe littéraire du regard étranger qui permet la critique de nos habitudes et des normes en place, cette fable malicieuse s’appuie sur des recherches en linguistique qui visent à déconstruire la règle selon laquelle le masculin l’emporterait sur le féminin !

La mise en scène de Julie Bertin et Jade Herbulot adopte le point de vue de Nour : elle travaille sur l’étrangeté de ce monde, un espace loin du réalisme rappelant des jeux d’enfants géants. Histoire de s’amuser avec le décalage, le décentrement du regard à l’œuvre dans la pièce, et de provoquer aussi une forme d’émerveillement.

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Ici, des femmes sont coincées, sans échappatoire face aux mécanismes d’une société où les hommes dominent par la violence. Un puissant mélodrame social qui fait résonner des thèmes brûlants d’actualité.

« Crudité du texte, personnages bien trempés et actrices à vif surtout (Zoé Briau, Magaly Godenaire) font de cette proposition théâtrale une occasion saisissante d’observer les éternels mécanismes de l’emprise. » Emmanuelle Bouchez – Télérama

« Éric Charon propose un montage audacieux qui use des outils du théâtre pour éclairer avec justesse les noirceurs de la condition humaine. » Marie Sorbier – Les Inrockuptibles

« Ce spectacle aussi bien agencé que remarquablement interprété par des comédiens qui passent d’un rôle à l’autre avec beaucoup d’aisance, donnant à l’ensemble un impact et une fluidité, et surtout une intensité qui restitue à la perfection l’univers à la fois sombre, sensuel et profondément humain du romancier. » Hugues Le Tanneur – Transfuge

« En entrecroisant, avec une belle intelligence, L’Assommoir et La Bête humaine, le comédien et metteur en scène signe au TGP de Saint-Denis un spectacle fort sur la condition humaine, la filiation, l’hérédité. »  Marie-Céline Nivière – L’Œil d’Olivier

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Comme point de départ, il y a ces lieux dans la ville où l’utopie, l’entraide et le soutien collectif sont au menu de tous les jours. Pour mener ce projet avec les habitants tout au long de l’année, jusqu’aux représentations en juin 2025, Julie Deliquet réunit les membres du Collectif In Vitro : Éric Charon, Aleksandra de Cizancourt, Magaly Godenaire et David Seigneur.

Les quatre artistes partiront à la rencontre de ces « îlots de résistance » qui accueillent de façon participative des femmes, des hommes, des jeunes ou des personnes âgées afin de recréer du lien social et de réinventer le quotidien.

Ainsi s’ouvre une enquête théâtrale sur la question du vivre-ensemble qui donnera lieu à une fiction pour mettre en scène et donner à voir la fabrication de ces espaces démocratiques où les humains sont au cœur. Ensemble, ils écriront une histoire collective où habitants et professionnels construisent main dans la main de nouveaux modèles coopératifs.

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Léontes, roi de Sicile, et Polixènes, roi de Bohême, ont grandi comme deux frères. Mais alors que Polixènes lui rend visite en Sicile, Léontes devient fou de jalousie et soupçonne son épouse Hermione d’avoir une relation adultère avec son ami et de porter son enfant. Léontes fait enfermer la reine et réclame un procès public pour la traduire en justice. En prison, elle accouche de la petite Perdita. Sur ordre du roi, la nouveau-née est abandonnée sur une terre inconnue, « quelque part où le hasard s’occupera d’elle ou l’achèvera »…

Ce voyage, entre un pays austère dirigé par un roi délirant et meurtrier et une terre chaleureuse et fantasque, met en jeu notre rapport à la violence, à la rédemption et aux infinis possibles de l’imagination.

S’appuyant sur la traduction de Bernard- Marie Koltès, aussi directe que musicale, l’équipe rapproche cette fable de notre temps présent. Cette histoire de jalousie dévorante et monstrueuse, qui porte en son cœur un féminicide, nous renvoie à la survie des schémas patriarcaux, à l’inconscient masculin hérité de siècles de domination. Pour explorer la frontière entre conscience et déraison, rêve et cauchemar, vrai et faux, la jeune équipe recherche l’épure du jeu et la vivacité du dialogue entre le public et les interprètes.

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Pratique de la ceinture, Ô ventre est la première pièce de Vanessa Amaral, comédienne et metteuse en scène. Inspirée de ses expériences de fille et sœur afro-descendante, et de son admiration pour les métiers de la santé, souvent exercés par des femmes racisées, invisibilisées et mal payées, la pièce fait du ventre un prisme d’observation de notre rapport au corps, à ses tabous et ses troubles. Tour à tour origine du monde, poubelle alimentaire ou lit du désir, le ventre est une cible pour toutes les injonctions sociales et sexuées.

Depuis l’annonce du diagnostic jusqu’à l’espoir d’une rémission, le texte fait alterner voix intime de l’héroïne et situations concrètes auxquelles elle est confrontée, souvenirs d’enfance et étapes de son parcours de combattante. Le désarroi flirte constamment avec l’humour devant l’absurdité de certaines expériences. Jouant avec la temporalité et les flash-back, la pièce se déploie dans une scénographie mobile qui assure la fluidité du voyage au cœur de l’expérience de la maladie.

Avec quatre comédiens et comédiennes, Vanessa Amaral donne vie à une galerie de personnages dont elle explore la vulnérabilité commune et la possible solidarité. La mise en mouvement des corps, jusqu’à la danse comme exutoire, leur permet peu à peu de se sentir reliés et de sublimer les épreuves et la peur. Ainsi le spectacle dessine-t-il un parcours initiatique, un chemin vers l’émancipation où l’élan vital l’emporte sur les maux.

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Tala travaille pour l’Unesco et vient d’obtenir une mutation en France. En franchissant les portes du collège, Nour découvre que les humains sont divisés en deux équipes, les « filles » et les « garçons ». Nour a du mal à s’adapter et déclenche le rire des autres sans comprendre pourquoi. Heureusement, Nour peut parler à son ami imaginaire, un scarabée, et rencontre Eli, que tout le monde s’obstine à appeler Eliott : les deux enfants se lient d’une profonde amitié à l’abri de laquelle on peut se confier ses secrets.

Écrit en immersion dans deux collèges à Saint-Denis, ce texte de Leïla Anis propose une satire de nos catégorisations de sexe et de genre. Réactivant le principe littéraire du regard étranger qui permet la critique de nos habitudes et des normes en place, cette fable malicieuse s’appuie sur des recherches en linguistique qui visent à déconstruire la règle selon laquelle le masculin l’emporterait sur le féminin !

La mise en scène de Julie Bertin et Jade Herbulot adopte le point de vue de Nour : elle travaille sur l’étrangeté de ce monde, un espace loin du réalisme rappelant des jeux d’enfants géants. Histoire de s’amuser avec le décalage, le décentrement du regard à l’œuvre dans la pièce, et de provoquer aussi une forme d’émerveillement.

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Fille d’Œdipe et de Jocaste, la jeune Antigone défie les lois du roi Créon qui interdisent d’enterrer le corps de son frère Polynice désigné comme ennemi de la cité. Antigone brave l’injustice, désobéit à son roi et enterre son frère. Elle en mourra. Avec Taire, Tamara Al Saadi interroge les visions d’une adolescence accablée par le monde qui l’entoure, qui ne parvient plus à penser son avenir. À la croisée de la recherche en sciences sociales et du théâtre, le travail de l’autrice et metteuse en scène s’est nourri en amont de rencontres et d’ateliers avec des jeunes en milieu hospitalier et lieux de soins. Au cœur d’une actualité traversée par des problématiques environnementales, géopolitiques, sociales et caractérisée par une anxiété croissante chez les adolescents, comment ces derniers perçoivent-ils cette figure féminine qui se dresse face à l’autorité paternelle et politique ? Comment ce mythe résonne-t-il alors que le monde contemporain plonge les plus jeunes dans un état de sidération ? Quel regard portent-ils sur leur propre impuissance, leur nécessité de crier une révolte impossible ?

Dans une scénographie épurée, un chœur de douze interprètes porte ces questionnements, dans l’intrication des langues, de la musique et des sons. La présence d’une bruiteuse et de deux musiciens sur scène accompagne les procédés d’un théâtre qui se fabrique à vue. Finesse d’écriture, simplicité et précision d’un artisanat assumé construisent un conte dystopique qui emprunte sa puissance au mythe.

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Gaëlle Hermant et sa co-autrice Olivia Barron nous plongent dans cet espace de confession où se brassent tous les sujets, entre rires et larmes : amour, travail, liens familiaux, rêves et solitude. Le salon de voyance de Maria est un microcosme où résonnent angoisses archaïques et maux du temps.

Inspiré d’une vraie rencontre, le spectacle invente une fiction qui mêle le témoignage intime de Maria à la parole de trois personnages venant la consulter. La musique, créée et portée au plateau par la compositrice multi-instrumentiste Viviane Hélary, accompagne chaque mouvement et offre des temps de respiration et d’exutoire.

Souvent considérée comme relevant du charlatanisme, la voyance est pourtant l’un des plus vieux métiers du monde. En temps de crise, il connaît des pics d’activité. Le besoin de connaître l’avenir est-il l’écho d’une société dans l’impasse ? Ou interroge-t-il sur un contexte plus global de crise et de souffrance du lien social ? Quel que soit notre degré de croyance, ces paroles délivrées sur scène permettent peut-être d’aider à réparer les vivants.

Ce texte est inspiré d’entretiens réalisés avec la cartomancienne Maria Vassalli.

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Quels nouveaux récits inventer face à ce sentiment de perdre la Terre ? Fable écologique, Le Pays innocent parle d’une renaissance possible et des alternatives réelles et rêvées au catastrophisme ambiant. Auteur et metteur en scène, Samuel Gallet fabrique des spectacles à la lisière entre théâtre et poésie, politique et onirisme, réel et surréel. Il agence plusieurs formes littéraires et théâtrales en dialogue constant avec la composition musicale et la création sonore. Récits, dialogues et poèmes composent par fragments un texte mosaïque, ancré dans l’âpreté de notre monde abîmé mais ouvrant vers des espaces peu à peu revivifiés par l’apparition de la forêt et son imaginaire.

Six interprètes, comédiens et musiciens, portent ensemble ce conte tendu entre le sentiment d’une chute irrémédiable et les énergies de reconstruction qui traversent nos sociétés et nos fors intérieurs. Le Pays innocent questionne le rapport que l’on entretient aux origines et à la descendance, à nos capacités de projection dans le monde qui vient. La scène devient alors un lieu peuplé de vertiges, d’appréhensions aussi de joie, de beauté et d’humour.

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